David Hockney (Piscinas)

... La mujer imaginaria


se lanza a la piscina imaginaria


con agua imaginaria



aunke sepa que siente el dolor imaginario...

David Hockney es británico, nace el 9 de julio de 1937, proviene de una familia de la clase media trabajadora, Entre 1953 y 1957 estudió en el Bradford School of Art. Desde 1959 a 1962, por medio de una beca, estudia en el Royal Collage of Art de Londres, se le vincula con la segunda generación del Pop Art ingles. Uno de los artistas más singulares y reconocibles entre los creadores británicos de la segunda mitad del siglo XX. Y aun esta vivo. Grabador, fotógrafo, diseñador además de pintor y ensayista o escritor.

Amigo de Roland B. Kitaj, Wharhol, Hopper. Lee a W. Whitman, gusta de Bacon. Ama a picasso.

B. Kitaj:



A. Warhol:





Walt Whitman... (Hojas de hierba)

We two boys together clinging,One the other never leaving,Up and down the roads going —North and South excursions making,Power enjoying— elbows stretching —fingers clutching,Arm’ed and fearless— eating, drinking, sleeping, loving,No law less than ourselves owning —sailing, soldiering, thieving, threatening,Misers, menials, priests alarming —air breathing, water drinking, on the turf or the sea-beach dancing,Cities wrenching, ease scorning, statutes mocking, feebleness chasing,Fulfilling our foray.

Bacon:





Picasso:


Gay de corazón. Esto es importante pues es uno de los primeros artistas en exponer a finales de los cincuentas y principios de los sesentas su homosexualidad como algo natural. Además por k es uno de los ejes de su producción.

En 1963, se traslada a vivir a Los Ángeles, lugar que determina el estilo de su pintura a partir de entonces, gracias a la utilización recurrente de ciertos motivos locales de arquitectura, la presencia de piscinas y al tipo de vegetación que representa. Su obra se hace más personal, más autónoma y autobiográfica; pinta retratos y autorretratos, escenas de interiores, de piscinas, de viajes, muchachos desnudos bajo la ducha.



En todos ellos, los personajes que aparecen son gente cercana a el, pues desde el principio de su carrera decidió que tanto los individuos como las situaciones que reflejase en sus obras deberían formar parte de su vida. De alguna manera, en ello reside uno de los secretos de su éxito, ya que añade en sus trabajos la dimensión familiar y cercana que le proporciona conocer bien lo que dibuja, más allá de su aspecto o apariencia, dotando a sus pinturas todo el “realismo” que su estilo le permite.



En 1966 Hockney era profesor en la Universidad de California en Santa Cruz, donde conoció a un estudiante Peter Schlesinger. “Fue increíble para mí encontrar a un joven atractivo que también era curioso e inteligente. Más que increíble fue real; parte de la fantasía desapareció porque él era una persona real con quién podías hablar”Schlesinger se convirtió en su novio y modelo favorito los cinco años que duró la relación. Famoso es el cuadro - Peter getting out of Nick’s pool (Peter saliendo de la piscina de Nick), uno de los primeros retratos que Hockney concibió como tal. La imagen del torso triangular masculino saliendo de la piscina fue tomada con una cámara polaroid. Hockney pintó a su novio de la costa oeste americana en vivos colores y con el agua en movimiento. “El agua de las piscinas cambia más que cualquier forma. Su color puede transformarse con la mano del hombre, su ritmo refleja no solo el cielo, sino su profundidad. Si la superficie permanece tranquila y brilla un sol canicular, las líneas y el espectro de los colores aparecen por todos lados”…

Después aparecería Gregory Evans, otro modelo con quien compartió casi 30 años. De él ecxisten retratos en acrílico, acuarelas y dibujos en lápiz de color.

***

Hockney se manifiesta además a lo largo de su carrera como un extraordinario colorista, claramente influido por Matisse y Bonnard, de igual modo que como dibujante sigue una línea que va de Holbein a Ingres y llega a Pablo Picasso

H. Matisse:



Bonnard:

Holbein:

Ingres:



Podría decir que trabaja con un estilo en el que el minimalismo y el arte pop se unen de una manera singular, a través de la figuración y el sentido decorativo, que se materializa con frecuencia en representaciones de espacios fríos y de situaciones cotidianas. Que muy ridículamente en ocasiones se le ha etiquetado como ¿naif?

Su obra, dentro de la figuración, se nutre con distancia y sarcasmo de fuentes del arte pop. Con un lenguaje pictórico diversificado, destacando en su trabajo el virtuosismo de su dibujo y el sentido de lo decorativo.

El uso de los colores intensos y planos, además del dominio en la composición, simplificando los planos compositivos rellenados por el color también plano. Por un lado tiene la capacidad de capturar una semejanza casi fotográfica, a través de toques de colores lisos una capa fina de pintura, mientras que por otro lado un placer en el recurso fácil del casi ilusionismo.





La admiración de Hockney por Picasso se hace directamente visible en un cuadro como su 'Autorretrato con guitarra azul', inspirado por 'El Viejo Guitarrista', del genio malagueño, o en los dos dibujos que le dedicó a raíz de su muerte en 1973 en los que aquél se representa a sí mismo junto a Picasso.

Su trabajo aborda el rechazo de una representación realista gracias al uso de colores ácidos y la presencia en el lienzo de detalles específicos inventados. Describe ácidamente la sociedad rica y ociosa que conoce a la perfección. Fiel a esa frialdad objetiva que desprende su pintura, a partir de los años setenta comienza a utilizar constantemente la fotografía, en particular la polaroid, e introduce en sus cuadros una perspectiva múltiple cuando el cuadro entremezcla varios ángulos de enfoque. Compagina su actividad como pintor con la realización de decorados y vestuarios teatrales.

Hacia final de los años 70, Hockney da un nuevo impulso al collage y al grabado gracias a técnicas innovadoras (pasta de papel, fotografía polaroid, litografías fractales, fotocopia, imágenes faxeadas. En los años 80 Hockney toma como referentes obras de maestros antiguos y modernos, pinta retratos, autorretratos, trabaja sobre la perspectiva y la multiplicidad de los ángulos de visión.

En 2001 publicó un estudio "El Conocimiento Secreto", obra en la que postulaba la teoría de que los pintores clásicos hacían uso de diversos sistemas ópticos (cámara oscura, epidiáscopos) a la hora de trasladar al lienzo las imágenes, y que este uso, generalizado en la Pintura desde el año 1430 aproximadamente había sido mantenido más o menos en secreto por parte de los propios pintores y demás personas vinculadas a la labor artística. La verdad esta teoría no me importa mucho, como dato me parece bien, pero no afecta para mí en nada las ideas que tenia de antes. Por eso solo lo menciono de paso.

Una de las razones por la que me parece interesante su trabajo, es por esa ambigüedad, que hace disparar la cabeza en la incertidumbre, esa frialdad contenida que nada tiene de fría. Una de las variantes de las formas en que se puede configurar nuestra conmoción. Para mi es una excelente forma de retratar nuestra sentimentalidad a través de la recreación de una visualidad para nuestra emocionalidad hoy, creado hace bastante rato. Estos instantes de segundos que duran los actos y nos persiguen.

Su trabajo de ahora, la verdad no me atrae, solo lo veo como un eterno intento, demasiado pretencioso.

Aquí les dejo algo de lo último que me ha parecido más valorable:

Es un extracto de texto llamado “Asi lo veo Yo”, les dejo el link por si kieren verlo completo: http://www.cambaleo.com/lanave/hockney.htm

Hoy en día, los planteamientos modernos sobre la representación del mundo no parecen diferir demasiado de los que tiene la gente acerca de la "realidad" de la imagen fotográfica. Los artistas modernos piensan que están ante el mundo y que ese mundo se parece a la fotografía; lo que ellos hacen es reelaborarlo de una manera artística.Pero el mundo no es exactamente así. Creo que es mucho más que eso: todas nuestras ideas acerca de la realidad y la representación están cambiando constantemente.Y también creo que si ahora estamos empezando a ser conscientes de todo esto es porque estamos empezando a darnos cuenta de las limitaciones de la fotografía.

Siempre cabe la posibilidad de coger una fotografía y decir: "Mira, esto es así". Hasta el inicio de lo que llamamos arte moderno, es decir, hasta aproximadamente 1870 o 1880, la gente comprendía en uno u otro sentido los cuadros que contemplaba, incluso aunque no fuera experta en la materia.

Los cuadros, como las pinturas de las iglesias, se hacían para ser comprendidos. Las imágenes posibilitaban que los campesinos que no sabían leer entendiesen las historias cristianas: ésa era su función. Los pintores no pintaban escenas bíblicas que los campesinos no pudiesen asimilar. El arte moderno empieza a mirar fuera de Europa, descubre una manera diferente de estructurar el mundo, un modo distinto de ver.

Los nuevos modos de ver y representar la realidad tienen su paralelo en los descubrimientos científicos sobre una nueva configuración del mundo.

A pesar de todo, al enfrentarse a una obra cubista la mayoría de la gente suele afirmar:"El mundo no es así".

Las imágenes de Picasso les parecen absolutamente deformes. Si miramos lo que la gente decía, por ejemplo, en 1925 (cuando ya se habían pintado casi todas las grandes obras cubistas y Picasso atravesaba su período clásico), veremos que incluso para algunos iniciados, para los aficionados a la pintura, los cuadros cubistas resultaban demasiado confusos; muchos pensaban que aquello no era la realidad en una pintura, que era otra cosa. Para la mayoría, las pinturas cubistas no reflejaban lo que se suponía que era una realidad objetiva, sino una versión subjetiva de la realidad.

El inmediato desarrollo del expresionismo hizo que mucha gente considerara que el cubismo tenía que ver con la percepción personal y subjetiva de la realidad. Y las teorías de Einstein parecían ir en el mismo sentido. Antes de Einstein, se pensaba que el espacio y el tiempo eran conceptos disociados y absolutos, que siempre habían existido. Einstein afirmó que no era así, que no eran ideas absolutas, sino que dependían en gran medida del observador; distintos observadores perciben acontecimientos diferentes en momentos diferentes.

Pero la pintura siempre ha sido pintura. Ese razonamiento nos ha llevado a creer en la existencia de dos conceptos disociados, abstracción y representación, dos actitudes completamente diferentes.Durante mucho tiempo yo también pensé de esa manera, como casi todo el mundo. Pero ahora no estoy en absoluto seguro de que sea así. De hecho, cuanto más profundizo en el asunto, más me parece que en realidad lo único que existe es la abstracción.

La fotografía es una abstracción muy sutil, de igual manera que lo es la perspectiva.

Si alguien me dijera que hay ciertas obras de arte, por ejemplo una pintura de Rothko, que son plasmaciones de ideas subjetivas más que de las apariencias externas, yo le contestaría que eso es lo que ocurre con todas las obras de arte. En cierta ocasión, en un conversación acerca del cubismo, alguien me dijo que ese tipo de pintura tenía que ver con la visión interna. Yo le contesté que ésa era la única visión que tenemos, la única que existe. Por el momento no existe otra.

Rothko



http://www.hockneypictures.com/