PorlaboKamuerelpEz

Niña errante: Cartas a Doris Dana. I

2009-09-27T19:22:00.006-04:00

“Tal vez fue locura muy grande entrar en esta pasión. Cuando examino los primeros hechos, yo sé que la culpa fue enteramente mía. Yo creí que lo que saltaba de tu mirada era amor y yo he visto después que tú miras así a mucha gente. Loco fui, insensato: como un niño,

Doris, como un niño”

(GM a DD, 20 nov 1949, Veracruz).

Yo sé bien que nadie, ninguna persona en este mundo, puede

Saber qué cosa es nuestra vida (excepto) nosotros mismos.

La bella vida nuestra es tan imperceptible, tan delicada, por llena

de imponderables, que casi no es posible verlas. Es posible solamente

vivirla, gracias a Dios.

Yo vivo en una especie de sueño, acordándome de todas las gracias

que me has hecho.

Y lo que vivo es una vida nueva, una vida que siempre yo he

buscado y nunca hallé. Es una cosa ella sacra y concentrada.

La vida sin ti es una cosa sin sangre, sin razón alguna. Tú eres

“mi casa”, mi hogar, tú misma. En ti mi centro.

( y el sólo quererte me purifica). Ella es el abandono, la confianza

Completa.

Yo sé que tú eres fiel como una piedra.

Mi memoria es ahora un mundo, se vuelve un Universo vasto y

completo. Y a la vez, incompleto, porque ha crecido tanto aunque

parecería que no pudiese crecer más.

Ay, amor grave y tan dulce, tan sin peso a la vez. ¡Alegría mía!

21 de Abril de 1949

Niña errante: Cartas a Doris Dana. II

2009-09-27T19:14:00.005-04:00

Doris querida:

[...] La única ambición que yo tengo hoy es la de tener una casa donde no me hiele. Pedir la calefacción, no anda porque yo sé que los patrones quieren ahorrarse eso. Procura tú, comprar un calentador para este cuarto nuestro. O llévame a lugar tibio. Yo no lo veo. ¿Florida? ¿Y qué hago allá solita y entregada sólo a mi niñito-fantasma y a algunas feministas? Dime lo que debo hacer; pero dímelo sin cólera. Y dime a la vez si, muerta yo, te serviría de algo esa casa de Florida, pequeña pero bonita... La compraríamos a nombre de las dos, naturalmente. Podríamos ensayar de ver Florida. Aunque me pone miedo aquello de los ciclones. ¿No es mejor, dear, Nueva Orleans para el frío?

Pero si tú no quieres dejar tu casa, cómprame, repito, un calentador y quedamos aquí. Sé franca. Nunca lo eres con tu pobre indita. ¿Por qué?, ¿por qué? Dímelo, por favor. [...]Tu Gabriela tuya

Gabriela

21 de Abril de 1949

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Preciosa,

Vida mía, no sé qué debo decir sobre tus preguntas respecto a dónde podemos ir. Sobre todo quiero tu felicidad! No sé si de veras, tú podrías ser feliz en los Estados Unidos. Si tú regresas a Santa Bárbara o a otro lugar en EE.UU. tú vas a ser más feliz que antes -porque tú eres libre ahora de la maldad, la brujería venenosa de Coni [Saleva]- y tú tienes a mí. Yo tengo muchas faltas, chiquita, muchas faltas. Yo no soy nada. Soy un ser muy pobre para ti, pero, al pesar de esto, no tengo maldad, y, tal vez, tú puedes vivir conmigo una vida más alegre, y más segura (con más confianza).Te quiero -linda- y todas mis esperanzas viven en ti. ¡Cuídate para mí! ¡Come! ¡Duerme!Yo veo a retratos tuyos -yo leo otra vez tus cartas- y, para mí, todo el aire de Nueva York es lleno, lleno, lleno, de ti. Tú estás en mi sangre. No hay nada que pueda hacer sin ti, porque tú vivas conmigo. Y a cado rato yo pienso del edificio tan cerca, en lo cual he visto a tus ojos por primera vez, hace tres años. Nunca en mi vida puedo olvidar la conferencia famosa de Barnard. Nunca he olvidado esto.Duerme, duerme bien -te quiero- tú eres mi esperanza. Mañana voy a leer otra vez tus cartas, y voy a contestar las cosas que no he contestado hoy. Cuídate, para nosotros.Tu «amor mío», tu hijita que siempre te quiere, ¡¡para siempre!!

[Doris]

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Niña errante: Cartas a Doris Dana III

2009-09-27T18:49:00.008-04:00

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Mi amor:

Cuando veo el color de verde de la primavera, pienso «esto es especial, es sagrado para mí, esto color, porque quizás en esto momento mi amor ve el mismo color -y quizás ella siente las mismas emociones inexplicables, inefables y misteriosas- en esto momento. Yo veo una flor, y recuerdo de unas flores que tú me has dado, sin palabras, en nuestro coche, en San Juan de Cocomatepec. Y súbitamente, con esto recuerdo, toda [...] es una flor, ofrecido, dado por tu mano. Veo el cielo, recuerdo millones de cielos sobre la cabeza más querida en el mundo. Y pienso «este mismo cielo toca a la cabeza de mi querida», y yo mando a ti un beso, un toque tierno y apasionado por los nubes que pasan, que tal vez van a verte pronto en [...]. Y tengo celos de estos nubes que pueden verte más pronto que yo. Y el viento -el viento me abraza- y yo ruego al viento «abraza a ella para mí, haga que ella que es mi abrazo, tierno, y pasionado». Yo me pongo en el viento y en la lluvia tierna, para que estos, viento y lluvia, pueden abrazarte y besarte para mí.
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Doris Dana
24 de noviembre de 1949

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Doris Mía:

A mi edad, se sabe una cosa que los jóvenes parecen ignorar: que es preciso vivir la dicha hasta que ella se va o se agota; que es estúpido abandonarla por lo que sea: negocios, cortesías familiares, turismo, etc. Que lo divino no se ha de romper, quebrar, postergar. Porque todo daña al amor, excepto él mismo. Todo es duro agrio e insípido, tonto y robado menos Él mismo. Todo es basura, desperdicio, chatez, vulgaridad, plebe, menos Él mismo.Ojalá si eso divino dura en ti, tú te aprendas esto. Es lo único que te falta entender. Tú entiendes de este mundo casi todo, Doris Mía, «fenomenito» en el «espíritu de sutileza».Procuro cuidarme para ti. Yo no tengo razón de vivir. Cuando llegaste, yo no tenía nada, parecía desnuda, y saqueada, paupérrima, anodina como las materias más plebeyas. La pobreza pura y el tedio y una viva repugnancia de vivir. Todo lo has mudado tú y espero que lo hayas visto. [...]

Un abrazo tierno,

Gabriela

1954

ALEXANDER MCQUEEN

2009-03-08T04:25:00.006-03:00

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CHANEL

2009-03-08T03:47:00.010-03:00

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Otros

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Yves Saint Laurent.
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Dior.

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PRADA.

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............................................. Balenciaga.
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Givenchy. ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... 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J.P Gaultier.

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Valentino.

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Victor & Rolf

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LACROIX. ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... ....................... 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WORK IN PROGRESS ....................... ....................... .................. ....................... ....................... .................. ....................... ....................... ....................... .................. ....................... ....................... .................. ....................... ....................... ....................... .................. ....................... ....................... .................. .......................

Valérie Solanas

2009-02-11T08:40:00.106-03:00

Solanas a secas

·1936 - 9 de abril Nace Valerie Jean Solanas en la ciudad de Ventor, Nueva Jersey. Hija de Dorothy Bondo y Louis Solanas.

·1940 - Sus padres se divorcian y Valérie se muda a Washington junto a su madre.
·1949 - Su madre vuelve a casarse, esta vez con Red Moran.
·1951 - Aprox. (a los 15 años) deja su casa y comienza a vivir en las calles
·1953 - 31 de Marzo (a los 16 años) nace su hijo David, a quien entrega en adopción.
·1954 - Termina la escuela secundaria

Para pagar sus gastos trabajó en el laboratorio de animales del departamento de psicología (Seguramente aki es donde empieza a interesarse por los fundamentos bio-neuronales de las diferencias psicosexuales y de la conducta del macho), ademas colaboró con un periódico estudiantil en el que publicaba una columna donde argüía que las mujeres podían procrearse sin la ayuda de los hombres y que deberían hacerlo.

Tras licenciarse de Psicología por la Universidad de Maryland (donde fue una alumna destacada), estuvo a punto de completar un año de trabajo de postgrado en psicología en la Universidad de Minnesota pero abandonó los estudios para viajar por el país; mendigando y haciendo de puta para mantenerse y mantener su drogadicción, hasta recalar en la legendaria Greenwich Village en 1966.

1966 (Otros detalles de su vida hasta 1966 son confusos.)

Greenwich Village era la zona de "moda" en la ciudad de Nueva York, un lugar en el que era posible encontrar una docena de artistas por metro cuadrado y, en el espacio que sobrava, una cantidad igual de bohemios y vividores a los que seria difícil incluir en alguna categoría socio-laboral reconocible.

Fue alli donde escribió su primera obra de teatro según algunos, guión de película según otros, “Up your ass” (por el culo) que trata sobre una prostituta y mendiga que odia a los hombres. En una versión, la mujer asesina al hombre, en otra versión una madre estrangula a su hijo.

La obra tenía varios títulos alternativos: The Big Suck (La gran mamada), Up from the Slime (Desde el fango) y, su favorito, From the Cradle to the Boat, juego de palabras de difícil traducción que alude, por un lado, a la caracterización del Estado social o asistencial como una construcción política que protege a sus ciudadanos desde la cuna a la tumba (from the cradle to the tomb) y, por otro, a un viejo dicho inglés según el cual “la mano que mece la cuna es la mano que domina el mundo” (the hand that rocks the cradle rules the world). El título procede de la réplica subversiva de uno de los personajes: “while the hand’s rocking the cradle it won’t be rocking the boat”.

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1967 - SCUM

Este año ella comienza a hacer circular vendiendo impreso (o fotocopiado) su famoso manifiesto "Scum" en las calles de Nueva York.

El Manifiesto SCUM, es una proclama que llama a la destrucción de los hombres por tanto supuesta liberación de las mujeres. Las siglas con que es conocida la obra no aparecen en el manifiesto en sí, y algunos creen que simplemente hace referencia a la expresión "capa de suciedad" (en inglés: scum), según otros haria referencia a la siguiente sigla - Manifiesto de la Organización para el Exterminio del Hombre (Society for Cutting Up Men Manifesto).

Mientras vendía copias xerografiadas de su Manifiesto por las calles conoció al editor francés Maurice Girodias de la Editorial Olympia Press (editor francés de Lolita, Candy y Tropic of Cancer). Girodias se especializaba en publicar obras de autores “malditos” como William Borrougs, Henry Miller y Jean Genet entre otros. El texto de Solanas le interesó y le pagó un adelanto de 600 dólarers como anticipo de una novela basada en su Manifiesto. Con ese dinero Solanas viajó a/y se los gastó en San Francisco.
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Se cuenta que cuando Ultra Violet se lo leyó a Warhol, él comentó: - "She's a hot water bottle with tits. You know, she's writing a script for us [Up Your Ass]. She has a lot of ideas."-

Solanas & Warhol.

La leyenda comienza aki:

Además del ensayo o "monólogo humorístico", Valérie también trabajo como guionista, lo cual provoco que buscara acercarse al círculo de Warhol -The Factory- (la fábrica: el estudio-empresa de Andy) en New York, para ver las posibilidades de que él fuese el productor de su obra, entregandole una copia del manuscrito. Intrigado por el título, Warhol acepta y le pide el borrador para revisarlo. El escrito era tan pornográfico que Warhol pensó que se trataba de una trampa policial. Anteriormente, muchas producciones de The Factory habían sido censuradas por su contenido obsceno.

Y - el borrador de la obra nunca fue devuelto a Solanas... (el problema fue que sólo contaba con otra copia mecanografiada más)

En mayo de 1967, después de que Warhol hubiese regresado de un viaje, Solanas comienza a telefonearle insistentemente para exigirle que le devolviera su borrador. Warhol finalmente admite que lo había perdido, por lo que ella le exige una compensación en dinero por su obra. Aparentemente, Warhol nunca tuvo la intención de producir “Up your Ass” ni como obra teatral ni como película; el manuscrito sencillamente se perdió entre el montón de textos que recibía en su estudio.

–Warhol escribe en su diario: -... Tuve que reconocer ante Valerie que había perdido su -Up Your Ass-. Entonces comenzó a pedirme dinero. Me dijo que se alojaba en el Hotel Chelsea, y me aseguró que no tenía ni un céntimo para pagar su habitación. Una tarde de septiembre apareció cuando estábamos a medio rodar una secuencia de ‘I, a man’ y le dije que se animara a participar y ganara así 25 dólares en vez de irme dando la lata. Aceptó encantada y filmamos con ella una escena corta realmente divertida. Y eso fue todo. ..-

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Warhol no le hizo caso, pero en julio del 67 le ofreció 25 dólares por actuar en una escena de su película - I, The Man (1968-1969)- largometraje que estaba produciendo junto a Paul Morrissey. En la escena Valerie interpreta a Valerie Solanas una dura lesbiana que rechaza los favores de un semental con la siguiente frase: “mis instintos me empujan a preferir a las chicas; ¿por qué debería ser mi criterio menos exigente que el tuyo?”-, discute con el personaje principal (interpretado por Tom Baker) en la escalera de un edificio acerca de si entran o no a un apartamento. Solanas domina el diálogo, conduciendo a su desconcertado compañero por una conversación de "culos blandos", "pechos masculinos" e "instinto lésbico". Finalmente abandona la escena diciendo: -"He de ser golpeada por mi carne"-. En el mismo año la volvió a contratar para que apareciera en “Bikeboy”, otra de sus películas. Warhol parecía contento con la actuación de Solanas y ella a su vez se sentía lo bastante satisfecha con su actuación como para invitar a su editor Girodias a ver la edición final de la película.

Tras sus intervenciones en ambas películas Valérie fue entrevistada por varios medios. En una de estas entrevistas Solanas habla sobre el contrato que había firmado con Girodias. Según Solanas, al firmar ese contrato había cedido todos los derechos sobre lo que escribiera en el futuro. En su mente, Warhol se había apropiado de su obra “Up your Ass”, y ahora pretendía que Girodias le robara toda su obra para su uso exclusivo sin pagarle un centavo a ella.

1968 -3 de junio - I Shot Andy Warhol
En principio podría parecer que “Friki Valérie” se encontraría comoda entre freak en gral (travestis, gays, artistas,etc...) pero la chica no cayó en gracia en The Factory, y al poco tiempo empezaron problemas.

Existen dos versiones de como Solanas consigue las armas, una es que se acercó a pedir dinero a Paul Krassner, editor de un periódico underground (The Realist), diciendo “quiero pegarle un tiro a Girodias” y el dinero le habria sido concedido . La otra version es que que robó la pistola (una Baretta del calibre 32) a un miembro de la organización The Motherfuckers (Los hijoputas), un núcleo de vanguardia revolucionaria tan extremo como SCUM

El 3 de junio de 1968 Solanas se dirige al Hotel Chelsea donde Girodias se alojaba. Él no estaba y no iba a regresar hasta el cabo de unos días. Solanas espera unas horas y luego se dirige a La Fábrica a esperar a Warhol. Allí su socio, Paul Morrissey, le dice que Warhol no estaba pero ella insiste y continua esperándolo a pesar de que en varias ocasiones Morrissey insiste en que se marche ya que Warhol no vendría. Su espera da resultado pues encontro a Warhol en el ascensor. Él había salido en busca de una receta de Obetrol. Volvía con Jed Jonson. Warhol notó algo raro en Valerie: LLEVABA MAQUILLAJE. Salieron del ascensor, juntos se dirigieron a su oficina, sonó el teléfono y Warhol contestó. Al verla Morrissey la amenazó nuevamente para que se largara pero Solanas no cejó en su empeño. Morrissey tuvo que salir de la oficina mientras Warhol atendía la llamada, hablaba con Viva, que lo llamaba desde el Kenneth's Hair Salon, donde se estaba tiñendo el pelo de rojo para participar en Midnight Cowboy. Después de varios minutos de conversación, Warhol le pasó el teléfono a Fred Hughes (representante de Andy y el encargado de The Factory). Entonces Valerie sacó una 32 automática y apretó dos veces el gatillo. Andy se tiró al suelo e intentó protegerse bajo un escritorio. Un tercer tiro le atravesó el pecho.

En la oficina también se encontraban Mario Amaya, un crítico de arte editor de Art & Artist, que estaba esperando entrevistarse con Warhol para discutir algunas cuestiones relativas a una eminente retrospectiva en Londres. Mientras Warhol se desangraba en el suelo, Solanas le disparó dos veces a Mario dándole en la cadera, este se escapó y le tocó el turno a Fred Hughes, quien rogó que los dejara en paz. Ella dio media vuelta y presionó el botón del ascensor, parecía con intención de marcharse, pero inmediatamente giró, apuntó y disparó contra Fred, pero ésta se encasquilló y no salió el tiro. y sacó una segunda pistola del calibre 22 que llevaba en una bolsa de papel. En ese momento se abrieron las puertas del ascensor y el aterrado Fred le dijo que por qué no entraba en el ascensor y se largaba. Valérie aceptó su oferta, Llegó el ascensor y bajó a la calle.

La ambulancia llegó 30 minutos más tarde. A Mario y a Andy los llevaron al Columbus Hospital.

Por la tarde-noche Solanas se entrega voluntariamente a un policía en Time Square y a quien le comunicó que acaba de dispararle a Andy Warhol. Valerie alegó en su defensa que Warhol estaba planeando robar su trabajo -"él tenía demasiado control de mi vida"-. Según algunos El New York Times le dedicó toda una página, según otros La noticia fue recogida con letras menores al lado de un aviso dirigido a los residentes en Manhattan sobre el cambio de horario de recogida de basuras. De cualkier modo aquello era más de quince minutos de fama. Warhol estuvo clínicamente muerto durante unos segundos. Cuando la encerraron los periodistas la recibieron con muchísimas preguntas. Al preguntarle “¿por qué lo había hecho” ella replicó: “Tengo muchas razones. Leed mi Manifiesto y os dirá quién soy”.

El juez ordenó que la trasladaran al Hospital Psiquiátrico de Bellevue bajo observación.

El 13 de junio de 1968 En la vista judicial dijo que ella se representaría a sí misma y que no se arrepentía de nada. Finalmente Solanas en su juicio y fue representada por una abogada feminista, Florynce Kennedy. A pesar de sus alegatos para que fuera puesta en libertad y no permaneciera encerrada, en contra de su voluntad, en un hospital psiquiátrico, el juez dictó que siguiera en Bellevue. A finales de junio Solanas fue acusada de intento de homicidio, asalto y tenencia ilícita de armas. Dos meses más tarde fue declarada inhabilitada legalmente y enviada el Hospital Ward Island. Justo en este mismo periodo, la editorial Olympia Press publicó el Manifiesto Scum con comentarios de Maurice Girodias y Paul Krassner. Ninguna biografía menciona que su autora haya recibido ningún pago por la venta de la obra... La “paranoia” de Solanas -tal vez -era justificada...

En junio de 1969 tras declarase culpable, Valérie fue sentenciada a tres años de prisión, el año que pasó en el hospital psiquiátrico fue tenido en cuenta. Se ha sugerido que la negativa de Warhol a testificar sirvió para que tuviera una condena bastante breve.

Warhol post Valerie

Warhol sobrevivió a duras penas y nunca se recuperó completamente. Tuvo que usar un corsé durante el resto de su vida para evitar que sus lesiones empeorasen. Sus heridas sangraban con el esfuerzo excesivo. Posteriormente confesó a sus amigos "Me dolió tanto que quise morir”.

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Las secuelas del tiroteo ademas dejaron una marca indeleble en el ánimo de Warhol, y la escena del "arte neoyorkino" no volvió a ser la misma. El ambiente de The Factory se volvió menos distendido. Durante el resto de su vida, Warhol vivió con miedo a que Solanas le agrediese otra vez. Billy, amigo y colaborador cercano quien estuvo junto a Warhol mientras sangraba esperando la ambulancia, dijo años más tarde: -"...Desde entonces, fue el Andy cartón piedra, no el Andy que amábamos por sus obras. Estaba tan impresionable que no podías tocarle sin que saltara; no pude volver a amarle, por que le dolía que le tocasen...”-. Mientras que sus amigos guardaban rencor a Solanas, Warhol prefirió no mencionarla. El evento tuvo poca publicidad debido al asesinato de Robert Kennedy ese mismo mes.

En su libro Popism, Warhol escribió que "...consideraba a Solanas una persona interesante y divertida, pero que el hecho de que comenzará a asediarlo hasta el acoso, hizo que decidiera alejarme de ella..."
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1971

Mientras Solanas estuvo en prisión, la feminista Robi Morgan, redactora de Ms. Magazine, abogó por que fuera liberada. Ti-Grace Atkinson, presidenta neoyorquina de la Organización Nacional para las Mujeres (NOW), la describió como "una de las principales portavoces de la liberación femenina". Mas aún, luego declaro - “Valerie Solanas es la primera campeona destacada de los derechos de la mujer”-.

En septiembre de 1971 Valerie fue puesta en libertad y arrestada de nuevo en noviembre del mismo año por enviar cartas y llamadas amenazadoras a varias personas, entre las que se encontraba de nuevo, Andy Warhol.

Durante el año 1973 entró y salió de hospitales psiquiátricos.

En 1975 pasó un periodo de ocho meses en el hospital South Florida.

A partir de esa fecha, Valérie concede algunas entrevistas pero no se vuelve a saber mucho de ella. Ediciones de Feminismo, la primera editorial española que publica su manifiesto en España rastrea su paradero hasta dar con ella para expresar su firme interés en publicar su obra en castellano. Tras muchas conversaciones Solanas accede. Según las compañeras que trabajaban en el colectivo Vindicación Feminista en esos años, la autora solía llamar y en ocasiones cambiaba la voz, haciéndose pasar por una amiga, o por su agente. No le interesaba cobrar derechos, lo más importante para ella era que dentro del colectivo hubiese lesbianas. En sus conversaciones siempre ocultó su paradero dando informaciones contradictorias con el fin de no ser localizada de nuevo.

Según diversas fuentes los últimos los paso entre hospitales mentales, continuaba drogándose y prostituyéndose en san Francisco para pagar su adicción.

En el 86, Mario Amaya murió de SIDA.

En el 87, murió Warhol, tras una operación de la vesícula biliar.

1988

Murió Jean-Michel Basquiat, por una sobredosis a los 27 años. Alguien dijo en el entierro de Basquiat que la única cosa que el mercado aprecia más que a un artista joven es a un artista joven muerto.

- 26 de abril muere Valerie Solanas a los 52 años, de enfisema pulmonar y neumonía en una institución benéfica de San Francisco. Su cuerpo fue enterrado en el cementerio de la Saint Mary’s Catholic Church, Virginia, EEUU.
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...... Andy cita 11 veces a Valerie en su diario. Y casi siempre con temor. Por ejemplo el domingo 18 de agosto de 1985, mientras descendía de la “limo” que lo traía a su casa desde el aeropuerto, una chica le gritó: ¡Andy! ¡Your mother is a whore!. Inmediatamente pensó en Valerie.

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Solanas según:

2009-02-11T08:33:00.078-03:00

Valérie según Wikipedia:
Escritora estadounidense de ideas feministas radicales y de acentuada misandria, famosa por atentar contra la vida del artista Andy Warhol en 1968. Su obra más difundida es el Manifiesto de la Organización para el Exterminio del Hombre (Society for Cutting Up Men Manifesto), conocido también como Manifiesto SCUM, un ensayo sobre la cultura patriarcal.
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Según ligres. com (blog). :
Valérie Solanas era lesbiana, fea, esquizofrénica y depresiva, pero si ha pasado a la historia es por sus aportaciones a la cultura y el pensamiento del siglo XX.
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Según Elvira Siurana

(Editora de Kira Edit y Vindicación Feminista):

“…Nunca debió pensar Valérie Solanas que su provocador manifiesto se convertiría en un clásico del feminismo internacional” [1]. Han pasado cuarenta años desde su primera edición y veinte desde la muerte de su autora, pero su llamado aún sigue inquietando y reproduciéndose en diversos idiomas y en diversos formatos, desde copias piratas a diversas versiones en la red..."

Según Vivian Gornick

(En su introducción a la segunda edición norteamericana de SCUM):

“El SCUM Manifiesto es la voz de una criatura, de una criatura del mundo occidental, una criatura de nuestra época, perdida y herida. Voz salvaje y desalentadoramente glacial, cruel, sin indulgencia para con el mundo.... una voz situada más allá de la razón, más allá de la decencia burguesa. (.....) Desde este estado de ánimo, Solanas revela los auténticos sentimientos de la feminista, su quintaesencia; y tales sentimientos están regidos por una rabia atroz.(....) Probablemente muchas sentimos esa sed de venganza - que la cordura mantiene a nivel de fantasía - y que causa esa hilaridad liberadora que ha convertido el SCUM en un libro tan popular en los ambientes feministas.”

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Según Avital Ronell

(Catedrática de la Universidad de Nueva York):
“El Manifiesto Scum fue considerado como uno de los tratados más escandalosos, violentos y enloquecidos cuando apareció por primera vez en 1968. (....) Pero es imposible menospreciar, a pesar de toda su

mordacidad, el manifiesto como si se tratase sencillamente de las palabras de una lesbiana lunática. De hecho, la obra posee una indisputable presciencia, no sólo como un análisis feminista radical sumamente avanzado a su tiempo... prediciendo la inseminación artificial, los cajeros automáticos, una revolución feminista en contra de la sub-representación en las artes... pero también un maravilloso testamento de la ira de una mujer que ha sido abusada y marginada.”

Según Diego L. Sanromán

(Doctor en Filosofía)
El Manifiesto de SCUM es una diatriba de una violencia desarmante y una sátira política que podría incluirse sin dificultad en la tradición abierta por Jonathan Swift. Es además una larga composición punk, tal vez una de las primeras: un canto a la mierda entre la floresta de cartón piedra de la benevolencia hippie. Sin duda, los beatniks habían abierto antes el camino al incorporar el argot y el habla de las calles, de los tirados y los delincuentes de medio pelo –e incluso de los negros y de los ambientes de los locales de jazz de la época- en sus escritos, pero la obscenidad y la rabia que destilaba el texto de Solanas era algo prácticamente inédito (…) Y en todo caso, si hay algún escritor estadounidense de la época con el que su estilo tenga ciertas afinidades, ése es el Bukowski de las Notes of a Dirty Old Man. Paradójicamente, porque, como es de todos conocido, el viejo “Buk” fue muy a menudo objeto de los ataques airados de las militantes feministas. En ambos se da esa peculiar mezcla de ira, patetismo y mordacidad. Pero, antes que nada y por encima de todo, incluso más allá de su condición de documento anti-macho, el Manifiesto de SCUM, constituye una impagable descripción de la pesadilla norteamericana (eso que Henry Miller llamará un poco más tarde the Air-conditioned Nightmare). Ahí es donde radica toda su energía subversiva.

Valérie según Artista Kulinaria:
Reasons to love & hate Miss Solanas.
Es una mendiga, una pobre mujer que se licencia de psicología en una universidad...la detesto porque un homeless genuino jamás se graduaría de la universidad. Seria un universitario metido a homeless.

Detestamos que sea feminista radical siendo que la han violado antes. (Lamentamos el hecho de que a miss Solanas la hayan ultrajado, pero es desagradable pensar que aquello que te impulsa a reflexionar sobre las injusticias de la década del 60 contra la mujer, fue un shock emocional y no solo tu intelecto)

Mas aun detestamos que se declare lesbiana, por odiar a los hombres, no por amar a las mujeres.(porque algunas lesbianas se creen eso)

Detestamos que se declare lesbiana y sea una lunática (porque las lesbianas se creen eso a veces) ...
Cuando era joven llegue a un punto de reflexión en el que concluí (sin ser violada, siendo una niña feliz) que en el futuro no habría necesidad de la existencia de hombres. Sigo pensándolo un poco, cuando veo a las ratonas que se pueden reproducir solo por la manipulación fisiológica de su información genética...no los necesitamos pues podemos aparearnos químicamente y procrear solo XX y tener muchas niñas, homosexuales por supuesto o asexuadas, reemplazando la única utilidad aparente del hombre, su fuerza, por maquinas que hagan el trabajo...
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SCUM Según Valérie Solanas:

(Entrevista realizada por Howard Smith, en julio de 1977, para la revista Village Voice)

Declara sobre su panfleto: “Es hipotético. No, hipotético no es la palabra correcta. Se trata de un simple lema literario. No hay ninguna organización llamada SCUM… Smith: Eres tú misma. Solanas: Ni siquiera soy yo… Quiero decir que lo considero más bien un estado de espíritu. En otras palabras, las mujeres que piensan de una determinada manera están en SCUM. Los hombres que piensan de una determinada manera están en el cuerpo auxiliar masculino de SCUM”.

Valerie Solanas según Stéphane:
Por supuesto no le odio, ni es mi idola, pero si le encuentro inteligente (graciosa), no por las ideas que plantea, cualkiera las podría plantear, en efecto much@s ya las han planteado, sino por como las plantea.

Consideraciones:
Una de las primeras clasificaciones que se le entregan es la de resentida amargada, pero si leyeran el manifiesto, creo que compartirían mi idea de que ella escribe para reírse y descargar un poko de rabia, es decir ella no se lo toma tan enserio, considero que es a eso a lo ke se refiere en su entrevista. Me parecen mucho mas alarmantes las “feministas” que le creen y siguen (aun hoy), y que no es una, son muchas (peor aun se encuentran en puestos de poder)

Considero que su idea mas que exterminar hombres (con lo kual por supuesto NO estoy de acuerdo), “leyendo fino” el manifiesto (“ciencia ficción cómica”) es ajusticiar situaciones de abuso especificas (que es lo que usualmente se propone cuando se la justicia publica no funciona), pues dice que los hombres se terminaran eliminando por si mismos. Es decir, ella era una SCUM (la única SCUM), no busco aliadas, sino más bien publicar sus ideas, no andaba exterminando hombres, en efecto mantenía relaciones sociales con varios, el “incidente” con Warhol fue la respuesta (desesperada) a una situación especifica.

La idea de la superioridad femenina frente a la masculina o viceversa, no me hace sentido alguno, aunque pretendiesen demostrarlo con pruebas científicas ni con nada, la ciencia me parece igual de sustentable que la religión.

Ella en ningún momento se justifica con lo que “a vivido”, ni tampoko hace persecución especial frente a los hombres que realizan el tipo de maltratos que ella sufrió. Por supuesto que la experiencia de una persona modela su personalidad, pero frente a esto hay muchas respuestas. Y la rabia aunke no sea políticamente correcta, me parece digna de ser analizada antes que rechazada.

Lo que me parece rescatable de su persona, es que ella decide como kiere vivir, ella elige vivir en las calles, por k tiene relación con decidir ser una “outsider”, y no se lamenta de su osadía, mas bien la busca para lograr trabajar en lo que ella quiere para si –escribir y publicar- e intentar vivir fuera de lo que ella no cree.

Si dejamos el asunto en la respuesta fácil es clasificarla de que ella es una loka (desquiciada, enferma, sicópata, etc…), es reducirlo a nada, si dijésemos eso de una persona como Hitler (analogía de exterminio), no tendría más objeto que clasificarlo, por que no sabemos que podemos hacer con una figura como él, el problema en ninguno de los dos casos lo podemos reducir a eso, seria bastante irresponsable.

Lo que me molesta es que se pretenda abreviar su situación a:

Abusada=Odia a los hombres= Amargada=Lesbiana=Exterminadora de hombres.
Es tan fácil y vetusta esa respuesta!

La idea de presentarla en el blog, no era con el fin de apoyar sus ideas, sino de exponer como se desarrolla la relación entre una personalidad densísima (compleja) como ella frente a un ambiente tan Snob y superficial como el que quiso construir Warhol. El tipo de reflexiones que esta situación genera y además de que rieran con sus ideas, pues a mi me sigue pareciendo graciosa.

Fragmentos de SCUM - (Valerie Solanas)

2009-02-11T08:20:00.141-03:00

Vivir en esta sociedad significa, con suerte, morir de aburrimiento; nada concierne a las mujeres; pero, a las dotadas de una mente cívica, de sentido de la responsabilidad y de la búsqueda de emociones, les queda una – solo una única – posibilidad: destruir el gobierno, eliminar el sistema monetario, instaurar la automatización total y destruir al sexo masculino.

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...Hoy, gracias a la técnica, es posible reproducir la raza humana sin ayuda de los hombres (y, también, sin la ayuda de las mujeres). Es necesario empezar ahora, ya. Conservar al macho no tiene siquiera la dudosa utilidad de la reproducción."El macho es un accidente biológico: el gene Y (masculino) no es otra cosa que un gene X (femenino) incompleto, es decir, posee una serie incompleta de cromosomas. Para decirlo con otras palabras, el macho es una mujer inacabada, un aborto ambulante, un aborto en fase gene. Ser macho es ser deficiente; un deficiente con la sensibilidad limitada. La virilidad es una deficiencia orgánica, una enfermedad; los machos son lisiados emocionales...

"...El hombre es un egocéntrico total, un prisionero de si mismo incapaz de compartir o de identificarse con los demás (...) Atrapado a medio camino en esta zona crepuscular extendida entre los seres humanos y los simios, su posición es mucho más desventajosa que la de los simios: al contrario de estos, presenta un conjunto de sentimientos negativos – odio, celos, desprecio, asco, culpa, vergüenza, duda – y, lo que es peor: plena conciencia de lo que es y no es..
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...Por ser una mujer incompleta, el macho se pasa la vida intentando completarse, intentando transformarse en mujer. De ahí que la busque constantemente, que trate de fraternizar y de vivir a través del sexo femenino, de fundirse con él, y que reclame para sí todas las características de la mujer (fuerza emocional e independencia, vigor, dinamismo, decisión, sangre fría, objetividad, seguridad, valor, integridad, vitalidad, intensidad, profundidad de carácter, buen rollo, etc.), mientras proyecta sobre las mujeres todos los rasgos masculinos (vanidad, frivolidad, trivialidad, debilidad, etc.). Debe reconocerse, sin embargo, que el macho posee una superioridad deslumbrante sobre la mujer en un terreno: las relaciones públicas (Ha realizado, sin duda, un trabajo brillante convenciendo a millones de mujeres de que los hombres son mujeres y viceversa). La pretensión masculina de que las mujeres alcanzan su realización por medio de la maternidad y la sexualidad refleja, en realidad, lo que los machos encontrarían satisfactorio si fuesen mujeres.
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En otras palabras, no son las mujeres las que tienen envidia de pene, sino los hombres los que tienen envidia de coño. Cuando el macho acepta su pasividad, se define como una mujer (tanto los machos como las mujeres toman al hombre por la mujer y al revés) y se convierte en travesti, pierde su deseo de follar (y por otro lado, de hacer cualquier otra cosa: se realiza como drag queen) y hace que le rebanen la polla. Y así logra un continuo y difuso goce sexual por la sensación de “ser una mujer...”

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"...El efecto de la paternidad en las mujeres es hacer de ellas hombres: dependientes, pasivas, domésticas, bestiales, inseguras, ávidas de aprobación y seguridad, cobardes, humildes, respetuosas de las autoridades y de los hombres, cerradas, no del todo responsables, medio muertas, triviales, aburridas, convencionales, insípidas y completamente despreciables. La Niña de Papá, siempre tensa y temerosa, incómoda, carente de espíritu analítico y objetividad, sitúa a Papá y, en consecuencia, a todos los hombres, en un contexto de temor (respeto) y, no sólo no es capaz de reconocer el vacío tras la fachada, sino que además acepta la definición que el macho da de sí mismo como ser superior, como mujer, y de ella como inferior, como varón; algo en lo que, gracias a Papá, realmente se ha convertido...

...El efecto producido por los padres ha sido, en suma, corromper el mundo con la masculinidad. El macho no es más que un Midas inverso: todo lo que toca lo convierte en mierda..."
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..aquí y ahora. Y si una amplia mayoría de las mujeres fueran SCUM, podrían hacerse en pocas semanas con el control de la nación, sencillamente abandonando sus puestos de trabajo y paralizando así todo el país. Como medidas adicionales, cualquiera de las cuales bastaría para desbaratar la economía y todo lo demás, las mujeres podrían declararse fuera del sistema monetario, dejar de comprar, dedicarse al pillaje y negarse sencillamente a obedecer cualquier ley que no quieran obedecer. Ni la policía, la Guardia Nacional, el Ejército, la Marina y los Marines, todos juntos, podrían ahogar una rebelión que implicaría a más de la mitad de la población, sobre todo teniendo en cuenta que se trata de personas sin las cuales se encuentran absolutamente desvalidos...

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...Los pocos hombres que queden podrán pasar sus miserables días colgados de las drogas o pavoneándose en plan travolo, o bien observando pasivamente a las ultra-poderosas hembras en acción, realizándose como espectadores y viviendo por delegación, o procreando en los pastizales con las lameculos, o –en último término- tendrán la posibilidad de acudir al centro de suicidio más cercano y acogedor, donde serán gaseados de manera silenciosa, rápida e indolora...

...Finalmente, el curso natural de los acontecimientos, de la evolución social, conducirá a un control femenino completo del mundo...
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El panfleto termina de esta manera:
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Sin embargo, los hombres racionales, no patearán ni pelearán ni armarán una lamentable pataleta; se quedarán mansamente sentados, relajados, gozando del espectáculo, dejándose llevar por las olas hasta su fatal extinción.

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Versión descargable en pdf: Manifiesto de SCUM - Valerie Solanas (1967)
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http://www.mediafire.com/?34tnoidmzxt
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Guerrilla Girls' I

2009-01-14T07:18:00.083-03:00

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En 1985 el MOMA (Museum of Modern Art) de Nueva York celebró una exposición de arte contemporáneo titulada - An Internacional Survey of Painting and Sculpture - De los 169 artistas que participaron en ella, sólo 13 eran mujeres. Delante del museo se manifestaba un grupo de personas que al comprobar que a finales de siglo las diferencias entre los sexos persistían y las mujeres artistas continuaban sin tener un verdadero reconocimiento. Eran mujeres, llevaban máscaras de simios y se hacían llamar Guerrilla Girls. Se denominaron así por usar tácticas de guerrilla para promocionar la presencia de la mujer en el Arte.

Según las Guerrilla la sentencia del comisario fue definitiva para su acción, advirtiendo que "todo aquél que no estuviera en la muestra debía repensar su carrera".

Sus nombres aun en su mayoría se desconocen pues eran anónimas, solo se sabe que lo constituían mujeres de diferentes edades y procedencias étnicas; no sólo artistas (pintoras, escritoras, directoras de cine…), sino también comisarías de exposiciones e historiadoras del arte. Aparecen en público llevando máscaras de gorila inspiradas en el personaje de King Kong, que utilizaban como símbolo de dominio masculino, y en sus intervenciones públicas utilizaban como pseudónimo o nombre "de guerra" aquellos de nombres de artistas y escritoras fallecidas, en general ignoradas o al menos nunca equiparadas a los nombres masculinos a lo largo de la Historia del Arte con mayúsculas. Como Frida Kahlo, Eva Hesse , Georgia O´keeffe , Artemisia Gentileschi o Lee Krasner, reivindicando así los logros que aquellas habían conseguido. Con estos disfraces también pretendían emular a Marlen Dietrich, que había llevado un disfraz de gorila en “La Venus rubia”, provocando el pánico de los espectadores en los años treinta.

.........(Frida).....................(Eva)...............(Georgia)............

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......(Artemisia).................(Lee).................(Marlene)............

Afirman que con este gesto se unen a la larga tradición masculina de vengadores enmascarados, al mismo tiempo que subordinan su identidad al fin común.

“Llevamos puestas máscaras de gorila para centrarnos en los temas más que en nuestras personalidades. Nos declaramos el equivalente feminista de la tradición mayoritariamente masculina de "bienhechores" como Robin Hood, Batman y Lone Ranger.”

Una Guerrilla Girl originaria viste la obligatoria máscara de gorila y ostenta ocasionalmente una chaqueta de deporte con hombreras, una minifalda, medias de rejilla y tacones finos. Ellas comentaban que nadie en su entorno (ni familias, ni compañeros, ni maridos) conocía su identidad, a excepción hecha, decían irónicamente, de sus respectivos peluqueros. Y la verdad es que, además de su misteriosa identidad, se desconoce cuántas personas formaban su grupo. Como siempre ocurre, las Guerrilla Girls americanas tuvieron sus imitaciones o compañeras en Francia y también en Inglaterra.

El anonimato les permite un círculo de acción mayor, el misterio que rodea a nuestra identidad ha atraído la atención y por otro lado les permite centrarse en sus intereses como colectivo y no en su individualidad como artistas.

Podemos ser cualquiera, estamos por todas partes...

Eran feministas enmascaradas y cruzadas del arte, su modus operandi consistía en mostrar al público la discriminación que vivían las mujeres artistas, acusando directamente a las instituciones que mantenían tal discriminación. Sus trabajos están plagados de ironía, humor, tácticas radicales, campañas creativas y declaraciones provocadoras, sumando el misterio que rodeaba su identidad oculta, para desafiar al mundo del arte y el entretenimiento desde 1985. Contribuyeron a atraer la atención y despertar interés hacia el grupo.

Querían hacer algo que despertara la atención de los medios pero sin parecer feministas histéricas ni arriesgarse a sufrir represalias en el circuito del arte profesional. Asi fue como montaron la primera exhibición, The Night the Palladium Apologized.

Las Guerrilla Girls tienden a actuar en los márgenes de la escena del arte contemporáneo, Creen que el feminismo es una forma esencial de mirar al mundo, un mundo en el que todavía existen enormes desigualdades.

Uno de sus slogans más famosos es "Guerilla Girls, reinventando la palabra feminismo”. Consideran necesario darle otro matiz a dicha palabra, pues ha sido estereotipada negativamente por los medios y la sociedad. Con sus acciones quieren cambiar la idea de que una feminista es una mujer quejumbrosa que odia a los hombres. La palabra clave de todas estas reflexiones por supuesto es la ironía. Quieren finiquitar la imagen de la feminista amargada y resentida, tan desvirtuada por la crítica, aquella figura que los discursos antifeministas han querido desacreditar veladamente.

Usar el humor como una herramienta dicen que ayuda a “comunicar la información, provocar la discusión y demostrar que las feministas pueden ser divertidas.”

Exactamente ese es el objetivo que lleva a este colectivo: denunciar la discriminación por sexo y raza en el mundo del arte en particular, y en la sociedad por extensión. En un momento de especial conservadurismo, surgieron en Nueva York una serie de grupos que trataron de remover la conciencia del Estado a favor de los sectores más abandonados de la estructura social. Guerrilla Girls observaron que se había producido un gran aumento en el número de mujeres matriculadas en Escuelas de Bellas Artes, o dedicadas profesionalmente al mundo artístico, y sin embargo las artistas femeninas no ocupaban siquiera un 10% de las grandes exposiciones organizadas por galerías y museos.

Estas consignas mediante las cuales se repite una historia de exclusión y discriminación sigue salvaguardándose bajo la desfachatez de verdades inamovibles de aquél que detenta un poder, sentenciando bajo falsos parámetros de objetividad (calidad) o amparado en la complejidad del entramado de la mercantilización del arte, intereses personales, juicios subjetivos y, como efecto, formas de marginación del trabajo de las mujeres (y de todos aquellos otros).

En 19 años hemos producido más de 100 carteles, adhesivos, libros, proyectos de impresión, y acciones que ponen de manifiesto el sexismo y el racismo en la política, el mundo del arte, el cine y la cultura. Usamos el humor para transmitir información, provocar debate y demostrar que las feministas pueden ser divertidas.

Linda Nochlin se preguntaba ¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas?, otras artistas como Barbara Kruger o Judy Chicago enfocaron su obra a romper los estereotipos que se habían impuesto a la identidad femenina y reivindicar por fin el papel que les corresponde, las Guerrilla Girls se propusieron directamente avergonzar, señalar con el dedo a esas instituciones que mantenían y alimentaban la discriminación. Sus obras buscan un mensaje radicalmente directo.

La ironía se convierte aquí en un arma, dobla su efectividad gracias a lo directo del mensaje, y su radicalidad se ve completada por el uso de imágenes de gran impacto visual. Esta conjunción deja sin argumento posible a la institución que recibe el ataque. No es casual que la ironía y el sarcasmo hayan sido habitualmente relacionados con la identidad femenina. Si el humor ha estado presente en lo que llamamos postmodernidad, ha sido en relación con la mujer cuando se ha utilizado con mayor énfasis. Jo Anna Isaak habla de las mujeres desde su capacidad de vivir y trabajar con el concepto de "jouissance", el exceso, el disfrute de ir más allá de lo establecido o llegar al sin sentido; la risa como estrategia revolucionaria, lo orgásmico, la relación con el inconsciente

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Guerrilla Girls' II

2009-01-14T06:59:00.050-03:00

::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::: A esa primera manifestación ante el MOMA se sucedieron otras acciones de protesta en las se propusieron poner en evidencia a todo el mercado artístico. Así, hicieron responsables a coleccionistas, críticos y propietarios de galerías del desequilibrio entre sexos existente en el mundo del arte, y sus primeras obras gráficas fueron carteles que, colocados en las calles del Soho, hacían patente el silenciamiento que sufrían las mujeres artistas. Crearon una combinación única de texto, contenido y gráfica veloz que presenta los puntos de vista feministas con un humor descarado y divertido. Anuncios para autobuses y desplegables para revistas, producción de carteles, libros, pegatinas, acciones de protesta y campañas de envío de miles de cartas de denuncia. Pretendían llegar a todas partes y utilizaron las técnicas que tenían a su alcance para lograrlo. Empezaron pegando carteles en mitad de la noche y tomando parte en otras actividades subversivas, crearon premios ficticios que revelaban los mecanismos subyacentes en el mercado del arte.

Ahora se las puede encontrar dando conferencias en galerías, museos y universidades de todo el mundo. Además le hacen un poco al cine y repudian lo belicoso del gobierno de su país, además de hacerse llamar: “La conciencia del mundo del arte". Uno de sus libros “The Guerrilla Girls’ Bedside Companion to the History of Western Art” (El libro de cabecera de las Guerrilla Girls de la Historia del Arte Occidental), se usa como libro de texto por sus colegas como parte del currículo en los estudios sobre género.

Su propuesta fue difundida por todo el mundo e imitada por otras que también se han hecho llamar Guerrilla Girls.

“El trabajo de la Guerrilla Girls representa una poderosa unión política entre la teoría y la práctica. Suponen un ejemplo para las feministas de todo el mundo”, Bell Hooks.

Del mismo modo que su actividad ha crecido hasta alcanzar un ámbito internacional, han llevado sus objetivos de crítica y reivindicación más allá del campo del arte. Sus protestas también han crecido vinculándose con la discriminación racial, implicándose en temas como el aborto, la violación, la pobreza o la guerra del Golfo, colaborando para ello con otros grupos como el Act Up.

Su arte es concebido como arma social, buscando el efecto golpe. Como dice otro de sus lemas: We strike next, obligan a poner la vista sobre los principios discriminatorios en una comunicación a nivel público, dialogando con la realidad. De ahí proviene el uso del cartel y la fotografía, ambas técnicas conservan cierta autonomía respecto a los moldes tradicionales artísticos que les otorga un carácter adecuado para los aspectos políticos, emparentandose con los panfletos. Al mismo tiempo se trata de un medio que consigue llegar a una mayor cantidad de público al intervenir en el entorno urbano, provocando el cuestionamiento desde la misma raíz del problema, desde el propio lugar donde surge.

Jorge Ribalta profundiza en este enfoque social, acentuado aún más por el hecho de ser enfrentado en grupo:

"El trabajo colectivo, la colaboración, nace de un compromiso semejante al pacto que subyace a la organización social y que da lugar al mundo de las convenciones de la vida pública. El trabajo colectivo tiene un eco evidente en la tradición socialista y (...) en la concepción benjaminiana del "autor como productor". Cuestionando la categoría tradicional del autor individual, y en consonancia, de la obra maestra, la colaboración es aquí el síntoma de una disposición comunicativa de la obra que enlaza directamente con el postulado vanguardista de reconciliar el arte y la praxis social."

Guerrilla Girls un punto combativo en una evolución que empezó con la labor de mujeres aisladas que poco a poco se han unido para luchar contra aquello que se ha llamado "el problema que no tiene nombre", luchar por un espacio propio y no impuesto por las presiones sociales, y que crece solidariamente buscando también la no discriminación de otros grupos marginados. el movimiento comenzó desde posturas interiores reunidas por una empatía que las empujó a trabajar de manera colectiva, We could be anyone; we are everywhere.

Lo que en suma pretendían conseguir era que el arte de museos y galerías mostrara por fin una imagen real de la historia y del actual panorama cultural, y dejara de ser un inventario de contribuciones masculinas. No reivindicaban que el 50% de los artistas expuestos fueran mujeres o miembros de minorías, pero criticaban que la cifra real fuese inferior al 10%. Además, entendían el arte como reflejo de la experiencia personal y social, por lo que las obras de mujeres y de artistas pertenecientes a alguna minoría debían ser por lógica distintas a las de sus colegas masculinos. Opusieron resistencia al lenguaje de la crítica artística rebatiendo el modelo patriarcal con la figura del “genio” y tradujeron la palabra latina “genius” por testículos, motivo que entendían podía explicar el que se utilizara tan poco para describir a las mujeres.

Sus críticos han catalogado a las Guerrilla Girls de hipócritas y de servirse del activismo social para fines puramente propagandísticos. Según sus detractores, aunque el propósito de las campañas de las Guerrilla Girls fuera atraer la atención sobre el arte realizado por mujeres, su auténtico propósito sirvió a la clase artista más privilegiada y clasista. También se les acusa de haber ignorado en un principio a las mujeres artistas que sufren misoginia, patriarcado o presidio en otras partes del mundo, centrándose tan sólo en su propia entrada en el mercado artístico. Por esa razón, las Guerilla Girls actuales ponen más énfasis en promover campañas a nivel mundial en contra de la violencia contra la mujer, la igualdad racial, la guerra o las dictaduras policiales.

En 1999 el colectivo, ya había crecido considerablemente, por lo que decidió establecerse como Guerrilla Girls Inc., pero sólo un año más tarde empezó a disgregarse: el grupo de performers y el comando online se establecieron por su cuenta, las performers montaron Guerrilla Girls on Tour y el comando online se estableció como las GuerrillaGirlsBroadBand, siguiendo caminos separados. En octubre de 2003, Guerrilla Girls, Inc. llevó a las Guerrilla Girls on Tour y a las GuerrillaGirlsBroadBand a juicio por infracción de copyright. Faltando a su compromiso con el proyecto, las litigantes, “Frida Kahlo” y “Käthe Kollwitz” revelaron públicamente su identidad: Jerilea Zempel y Erika Rothenberg.

Es difícil saber a ciencia cierta por k no lograron llegar a un acuerdo interno, pero se deduce de los argumentos y declaraciones ofrecidos por ambas partes que, si bien las GG empezaron su campaña sin más propósito que protestar por la política sexista del circuito artístico y pasar un buen rato, cuando la pequeña campaña empezó a reportar beneficios las chicas establecieron diferentes modelos de proyección, con diferentes grados de éxito. Hoy Guerrilla Girls, Inc. exige que los la compañía de teatro y la puntocom dejen de usar el nombre de Guerrilla Girls y reclaman millones de dólares en concepto de daños y perjuicios. Zempel y Rothenberg aseguran que el comando fue ideado y liderado por ellas y reclaman derechos sobre cualquier beneficio que sus actividades hayan generado, incluyendo aquellas en las que no han tomado parte. Paradojicamente las Guerrilla Girls están en guerra, pero no con las instituciones ni con la discriminación sexual. Las Guerrilla Girls están en guerra con las Guerrilla Girls.

Louis L. Stanton, el juez asignado al caso, debe enfrentar un momento de divertida confusión. Ya que en callada protesta por la traición de las litigantes, el resto de las Guerrilla Girls se niegan a facilitar sus verdaderos nombres e insisten en acudir al juzgado con sus máscaras de gorila. Para colmo, parece haber más de una “Gertrude Stein”, algunos miembros han cambiado de seudónimo varias veces en el curso de los años y otras ni siquiera recuerdan el suyo. En este circo de identidades cambiantes, el juez para el juez resulta complicado distinguir quién es quién.

Estos últimos sucesos sin bien son contradictorios con su propuesta principal, no deberían ensombrecer el aporte que pueden significar con su labor de denuncia y crítica social emprendida por el grupo durante más de dos décadas. Su activismo fue una alternativa a otras formas de feminismo que se estaban desarrollando en ese momento. Por supuesto Las Guerrilla Girls no fueron las primeras ni las únicas en reivindicar unos derechos que continuaban siendo negados a las mujeres, pero sí fue original y única la forma en que se propusieron combatir esta discriminación: con ingenio, descaro y sobre todo mucha ironía.

Eramos divertidas en lugar de super-serias -cuenta "Gertrude Stein". -Nadie sabía quiénes éramos. Y fuimos la sensación. La campaña fue un éxito debido, en gran parte, a su condición de colectivo anónimo, unido por una reivindicación. Nuestro anonimato -explica "Meret Oppenheim"- resultó ser una idea brillante. La gente no podía identificar los motivos individuales de cada una de nosotras, así que tuvieron que fijarse en los problemas que sacábamos a la luz.

Nunca fueron aceptadas por los museos, sin embargo, en el último par de años han estado tras ellas: Hicieron una instalación gigante en la Bienal de Venecia en 2005, también en Tailandia, Estambul y varias ciudades de España. Tienen una permanente en el Tate Modern de Londres y montarán otra en Atenas.

..................We could be anyone; we are everywhere

(podríamos ser cualquiera; estamos en todas partes).

Guerrilla Girls' (Works)

2009-01-14T05:40:00.067-03:00

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LAS VENTAJAS DE SER MUJER Y ARTISTA (1988)

· Trabajar sin la presión del éxito.

· No tener que exponer con hombres.

· Tener una evasión del mundo artístico con tus cuatro trabajos “free-lance”.

· Saber que tu carrera será conocida después de cumplir 80 años.

· Estar convencida de que cualquier arte que tu hagas será etiquetado de femenino.

· No quedarte enquisolada en una plaza fija de profesora de arte.

· Ver que tus ideas cobran vida en el trabajo de otros.

· Tener la oportunidad de escoger entre tu carrera o tu maternidad.

· No tener que justificar tu éxito económico con antiguas militancias conceptuales.

· Dedicar más tiempo a tu trabajo cuando tu compañero te haya abandonado por alguien más joven.

· Estar incluida en una versión revisada de la historia del arte.

· No tener que avergonzarte porque te califiquen de genio

......................................................................................................

En 1989 colocaron un cartel frente al Metropolitan Museum de Nueva York que decía:
¿Tienen las mujeres que estar desnudas para entrar en el Met. Museum?

Menos del 5% de los artistas en las secciones de Arte Moderno son mujeres, pero un 85% de los desnudos son femeninos.

El cartel contenía una reproducción de la “Gran Odalisca” de Ingres, imagen archiconocida dentro de la tradición iconográfica del desnudo femenino. Su elección supone una crítica hacia el estereotipo de la mujer como objeto de deseo. Además, la odalisca de las Guerrilla Girls no se contenta con ser relegada a mero sujeto pasivo, sino que se subleva ante esta situación y lo hace colocándose, como sus creadoras, una máscara de gorila.
................................................................................

Otros carteles aluden a otros excluidos sociales por otro tipo de causas diferentes a la de raza o sexo, carteles como el que pregunta: 1991

¿Cuál es la diferencia entre un prisionero de guerra y una persona sin casa? Respuesta. Bajo la convención de Ginebra, un prisionero de guerra tiene derecho a comida, refugio y atención médica.
........................................
Para la ceremonia de los Óscars del año 2000 una valla publicitaria fue levantada.

La imagen: una gorila con vestido y lápiz de labios, encadenada y sujetando una estatuilla.
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El eslogan: “Desencadenad a las directoras”. Las estadísticas, bueno, una en particular afirma: “Ninguna realizadora ha ganado nunca un Óscar”.
...........................................................

De todos modos este no es su único intento de enfrentarse a los poderes fácticos de Hollywood. En 2002 presentaron el “Óscar anatómicamente correcto”. Esta valla representaba el Óscar como un hombre con sobrepeso, blanco, calvo y velludo. Su respuesta: “Igual que los tíos que ganan”.
*
*

..................................................................................................
BOMBA DE ESTRÓGENO (2002): LAS GUERRILLA GIRLS URGIMOS A USAR INMEDIATAMENTE NUESTRA NUEVA ARMA BIOLÓGICA
A través de la historia han sido los hombres los que se han convertido en guerreros, declarado la guerra a otros y combatido hasta la muerte. Así que se puede decir que la guerra tiene un origen biológico: la raza humana es víctima desde hace mucho de un Envenenamiento de Testosterona Tóxica. Esta infección mortal golpea a los hombres en todos los lugares: les hace creer que tienen la razón y les lleva a la violencia física en forma de combate, terrorismo, maltrato doméstico...

Durante años, las Guerrilla Girls han estado proponiendo un antídoto contra esta infección mortal... el arma de educación masiva que el mundo necesita... ¡la Bomba de Estrógenos! Cuando se deje caer en un área de conflicto creemos que las altas concentraciones de estrógenos provocarán que los combatientes tiren las armas, se den un fuerte abrazo, pidan disculpas y se ofrezcan a limpiar el lío formado. ¡Insistimos en el despliegue inmediato de la Bomba de Estrógenos en Afganistán y Washington! Por favor, comuníquennos cualquier otro lugar donde debería ser lanzada.
...........................................................................................
EL VERDADERO SISTEMA NACIONAL DE ALERTA TERRORISTA (2003):

BAJO: El presidente monta en caballo y pasa la escoba en el rancho

MODERADO: El presidente limita los derechos civiles de los inmigrantes

ELEVADO: El presidente tiene una idea: ocupar los campos petrolíferos iraquíes y dárselos a los colegas de la industria del petróleo

ALTO: El presidente ignora la oposición mundial y envía 100.000 soldados al Golfo

SEVERO: El presidente ataca y bombardea Iraq: miles de
muertos.
.......................
.......................
EL SISTEMA NACIONAL DE ALERTA PARA LAS MUJERES (2003):

BAJO: El presidente monta en caballo y pasa la escoba en el rancho
MODERADO: El presidente pone a un hombre en la FDA (Foods and Drugs Agency) que piensa que la oración es el mejor tratamiento para el síndrome premenstrual

ELEVADO: El presidente nombra a jueces opuestos al derecho a la acción afirmativa y al aborto

ALTO: El presidente se niega a firmar los tratados internacionales sobre la discriminación contra las mujeres

SEVERO: El presidente afirma que las mujeres ya tienen derechos: pueden alistarse en el ejército, combatir en una guerra impopular y matar a gente inocente.
..............................................................................................

............................................... (1991) ..........................................

Sitio Web Oficial: http://www.guerrillagirls.com/

Frida Kahlo - DoKumental

2008-12-24T20:09:00.023-03:00

_____ (1/6)

__________(2/6)

________________________(3/6)

Según se, hoy por hoy se exhibe una muestra del trabajo de Frida en el Centro Cultural Palacio La Moneda. Yo aun no la visito, pero sin duda lo hare.

A propósito de esto algunas personas me han pedido la película de Frida, ante esto digo ¡NO LA RECOMIENDO! La deja como una loca, histérica, incoherente. Lo más rescatable (o lo unico)de esa película es la banda sonora.

Por esto aki les dejo este documental, yo lo vi hace años y la verdad es de los mejores k e visto, si aun así ven la película, entenderán por k lo digo, pero si ya vieron el documental igual no esta demás.

Mil besos! Y por supuesto Feliz Navidad! (este es mi regalo navideño)

________________________________________________
Exposición Frida y…
________________

Desde el 22 Nov. 2008 – hasta el 29 de febrero 2009
Lugar: Palacio Cultural la Moneda
Horarios: De lunes a domingo, de 10:00 a 19:30 hrs.
Entrada general $600, estudiantes, convenios y adulto mayor: $300
Entrada Liberada de lunes a viernes entre 10:00 y 12:00 horas.
Niños menores de 5 años no pagan entrada.

Frida Kahlo - DoKumental (II Parte)

2008-12-24T19:27:00.022-03:00

_______(4/6)

___________ (5/6)

_________________________ (6/6)

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Sitio Web: http://www.fkahlo.com/#

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Descarga Directa : OST Frida Kahlo (Julie Taymor -2002)

http://rs475.rapidshare.com/files/150207840/Frida.OST.zip

MARLENE DIETRICH

2008-12-04T03:38:00.024-03:00

(MOROCCO - 1930, USA)

*
Alicia le pregunta al Gato:¿Me podrías indicar, por favor, hacia dónde tengo que ir desde aquí?".
"Eso depende de a dónde quieras llegar", contestó el Gato

*
(SEVEN SINNERS - 1940, USA)

**
"A mí no me importa demasiado a dónde... ", empezó a explicar Alicia.
“¿Y que rumbo llevas?” le pregunto el Gato
“No tengo rumbo...siempre que llegue a alguna parte", terminó Alicia a modo de explicación.
**

(I Couldn't Be Annoyed -1932)

*
"En ese caso, da igual hacia a dónde vayas, cualquier camino es bueno para ti ",interrumpió el Gato.
"¡Oh!. Siempre llegarás a alguna parte", afirmo categóricamente "si caminas lo bastante".
*

(Lewis Carrol)

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Sitio Web Oficial: http://www.marlene.com/
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MARLENE DIETRICH II

2008-12-04T03:00:00.028-03:00

(BLONDE VENUS - 1932, USA)

***
“… Cuando me he encontrado con alguien que me parecía un poco lúcido, lo he sometido a la experiencia de mi dibujo número 1 que he conservado siempre.

***

(Falling in love again -1930)

Quería saber si verdaderamente era un ser comprensivo. Pero siempre me respondían :: "Es un sombrero". Entonces no le hablaba ni de serpientes boas, ni de la selva virgen y ni de estrellas.

(DISHONORED - 1930, USA)

Poniéndome a su altura, les hablaba del bridge, del golf, de política y de corbatas. Y la persona grande se quedaba muy contento de conocer a un hombre tan razonable …”

(Antoine de Saint-Exupéry)

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Marlene Dietrich Sings, por descarga directa:

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Marlene Dietrich - Live At the Cafe de Paris

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Otros:

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Emilly Loizeau

2008-11-09T23:49:00.041-03:00

CUENTO
Se sentía vejado un Príncipe por no haberse dedicado nunca más que a la perfección de las generosidades vulgares. Preveía asombrosas revoluciones del amor, y sospechaba en sus mujeres mejores capacidades que esa complacencia adornada de cielo y de lujo.

Quería ver la verdad, la hora del deseo y de la satisfacción esenciales. Fuese o no una aberración de piedad, así lo quiso. Poseía cuando menos un poder humano bastante amplio.

Todas las mujeres que le habían conocido fueron asesinadas. ¡Qué saqueo del jardín de la belleza! Bajo el sable, ellas lo bendijeron. No encargó otras nuevas. - Las mujeres reaparecieron.Mató a cuantos le seguían, después de la caza o las libaciones. - Todos le seguían.

Se divirtió degollando los animales de lujo. Hizo arder los palacios. Se abalanzaba sobre la gente y los descuartizaba. - La muchedumbre, los tejados de oro, los bellos animales seguían existiendo.¡Cabe extasiarse en la destrucción, rejuvenecer mediante la crueldad! El pueblo no murmuró. Nadie ofreció la ayuda de sus puntos de vista.

Una tarde galopaba altivo. Apareció un Genio, de belleza inefable, inconfesable incluso. ¡De su fisonomía y de su porte destacaba la promesa de un amor múltiple y complejo! ¡De una felicidad indecible, insoportable incluso! El Príncipe y el Genio se aniquilaron probablemente en la salud esencial. ¿Cómo habrían podido no morir por ello? Juntos, pues, murieron. Pero ese Príncipe falleció, en su palacio, a una edad ordinaria. El Príncipe era el Genio. El Genio era el Príncipe. La música sabía falta a nuestro deseo.

Arthur Rimbaud

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Web oficial: http://www.emilyloizeau.net/

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Emily Loizeau por Descarga directa:

Emily Loizeau, -L'autre bout du monde (2007) http://rapidshare.com/files/58107372/Emilly_Loizeau_2007_I_autre_bout_du_monde__Pop_Inter_.rar

Feist - por descarga directa -

2008-10-20T20:45:00.027-03:00

(Siguiendo con las niñas guapas y talentosas)

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Web Oficial: http://www.listentofeist.com/

MySpace: http://www.myspace.com/feist

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Feist por Descarga directa:

Feist - The Reminder (2007) Incluye el video 1234 y My Moon My Man
http://rapidshare.com/files/77001152/Feist_-_The_Reminder.part1.rar
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Feist - Toronto 2005 (Live At The Rehearsal Hall) 608 MB - DVDRip http://rapidshare.com/files/131032191/Feist-LiveAtTheRehearsalHall.part1.rar http://rapidshare.com/files/131033407/Feist-LiveAtTheRehearsalHall.part2.rar http://rapidshare.com/files/131033720/Feist-LiveAtTheRehearsalHall.part3.rar http://rapidshare.com/files/131033599/Feist-LiveAtTheRehearsalHall.part4.rar http://rapidshare.com/files/131033771/Feist-LiveAtTheRehearsalHall.part5.rar http://rapidshare.com/files/131037657/Feist-LiveAtTheRehearsalHall.part6.rar http://rapidshare.com/files/131034228/Feist-LiveAtTheRehearsalHall.part7.rar

Open Season Remixes And Collabs (2006)
http://rapidshare.com/files/67927347/Feist-Open_Season-2006-mizu.ws.part1.rar http://rapidshare.com/files/67973805/Feist-Open_Season-2006-mizu.ws.part2.rar

Black Sessions (2004) http://rapidshare.com/files/92397741/Feist_live__2004__Black_Sessions.rar

pass: ultimovicio

Let It Die (2004)
http://rapidshare.com/files/79714353/Feist_-_Let_it_Die.rar
pass: ultimovicio

Monarch (Lay Your Jewelled Head Down) (1999)
http://rapidshare.com/files/79884229/Feist_-_Monarch.rar
pass: ultimovicio

Lo fundamental aquí es el signo y no la materialidad del desplazamiento de un cuerpo en el espacio

2008-10-05T18:08:00.028-04:00

Esto de escribir a mi no me sale bien
pero estoy desafiada a hacer muchas cosas que no me salen bien
debo utilizar un lenguaje que no he usado, que desconozco
que me sale primitivo, pueril y torpe
quizás debo revisar todos los relatos galantes que existan
para aprender a armar todos los miguelitos fascinantes
que ninguna vez arme

No me importa si los molinos de viento son insomnio acumulado
como asumir una labor heroica en esta filosofía medrosa
es como el grito de esperanza del desesperado que no se salva por la fe

La fantástica Aldonza Lorenzo exige la labor más política
que jamás he realizado en la vida
Tengo todas las sinapsis necesarias dispuestas para realizarlo
Pero no se como, no leo entre líneas, solo veo molinos
Incluso Sancho esta vez me incita a no seguir
Pero Sancho camina con los calcetines mojados como yo
Quiero arrasar con toda la inmundicia que me entorpece
Siento todo el arresto que creo necesitar
Pero soy más pava que perro nuevo

En este momento el combate con molinos, gigantes incluso dragones
se vuelve contra mí y me veo cual profesora de piano enterrándose un puñal.

“…Así es la verdad, respondió Don Quijote; y si no me quejo del dolor, es porque no es dado a los caballeros andantes quejarse de herida alguna, aunque se le salgan las tripas por ella".

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Descarga directa Edith Piaf -The Very Best (1991)-:
http://www.megaupload.com/?d=CJMBCQVH http://www.4shared.com/file/64148276/3d1415f7/Edith_Piaf_-_The_Very_Best__1991_.html

Mon fiancé

2008-09-21T18:18:00.023-04:00

Mi táctica es

mirarte aprender como sos

quererte como sos

mi táctica es

hablarte

y escucharte

construir con palabras

un puente indestructible

mi táctica es

quedarme en tu recuerdo

no sé cómo ni sé

con qué pretexto

pero quedarme en vos

mi táctica es

ser franco

y saber que sos franca

y que no nos vendamos

simulacros

para que entre los dos

no haya telón

ni abismos

mi estrategia es

en cambio

más profunda y más

simple

mi estrategia es

que un día cualquiera

no sé cómo ni sé

con qué pretexto

por fin me necesites.

*Táctica y estrategia (Mario Benedetti)

Camille I (je l'aime)

2008-09-06T20:01:00.012-04:00

Seguir las intrucciones detalladas mas abajo:

"Au port"

INSTRUCCIONES

Ella es bastante increible como para verla por si sola, pero descubri algo que quiero compartir:

1-. Poner la pantalla del PC (no del video, por k no se puede) en modo completo, esto para kien no lo sepa se cambia en herramientas.

2-. Cargar los videos antes de verlos

3-. Ver los video con un desfase de 15 segundos exactos.

Se k puede parecer una tontera, pero a mi me gusto. No faltara algun otro tonto k le guste.

A quienes les guste, les dejo otros mas abajo, la pagina de la lola donde pueden oir mas de su trabajo y links de descarga directa.

Besos!

Camille II (Descarga directa)

2008-09-06T19:01:00.017-04:00

Camille Dalmais

Ta douleur

-LÀ OÙ JE SUIS NÉE

1, 2, 3

http://www.camille-music.com/
http://www.myspace.com/camilleofficial

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Descarga directa:

Hole (2008)
http://rapidshare.com/files/134728228/holcam.rar

Le fill (2005)

http://rapidshare.com/files/35682032/Camille_-_Le_fil_-_2005.rar.html

http://www.gigasize.com/get.php?d=c92xbkmyrtd

http://www.gigasize.com/get.php?d=ms07rj6fmbb

The black session (2005)

http://rapidshare.com/files/70004719/Camille__2005__Black_Session.rar

http://www.mediafire.com/?42yreccy4lx

Le sac de filles (2004)

http://rapidshare.com/files/23566744/toca-fitas.blogspot.com_lesacdesfilles.rar

The triumph of a heart - Bjôrk

2008-08-18T05:15:00.012-04:00

The nerves are sendings
himmering signals
all through my fingers
the veins support
blood that gushes
pulsively towards

The triumph of a heart - that gives all : that gives all
The triumph of a heart - that gives all : that gives all

The stubborn trunk
sof these legs of mine
serve as pathways for my favourite fuel
heading upwards towards
my kidneys

The triumph of a heart - that gives all : that gives all
The triumph of a heart - that gives all : that gives all

Smooth
soft, red
velvety lungs
are pushing a network
of oxygen joyfully
through a nose
through a mouth
but all enjoy
sall enjoys

The triumph of a heart - that gives all : that gives all
The triumph of a heart - that gives all : that gives all
The triumph of a heart - that gives all : that gives all
The triumph of a heart - that gives all : that gives all

Última entrevista a Adolfo Couve

2008-08-06T06:23:00.027-04:00

..... Couve desbordó los límites de la novela y entró en la poesía, que él admiraba con fervor...... Desbordó géneros y límites, que al final se hacen incómodos para los grandes; por eso escribió una novela tan breve "que no tenía lomo", como decía él irónicamente a propósito de su último texto. Finalmente, quiso que esta entrevista se publicara, y por eso hay que hacerlo.

-¿Por qué te fuiste de Cartagena?
-Primero, no sé por qué me fui a Cartagena, me fui el año 83. Me quería ir de Chile. Pero me fui de Chile en realidad, porque yo encuentro a Cartagena distinto a Chile. Como no había plata ahí, no lo habían destruido todo, no habían convertido las cosas en otras cosas. Había techos con árboles encima, había caminos de ripio. Había recuerdos de infancia, es un lugar que uno ha vivido ya antes ...por eso vivo ahí... Es duro, claro, yo tengo un camino de tierra fuera de mi casa y hay vacas esperando; cuando voy a hacer clases a Santiago me encuentro dos vacas sentadas. Cartagena es un lugar marginal de verdad. Muchos escritores hablan de la marginalidad, pero yo vivo la marginalidad.

-Ese retiro a Cartagena, ¿tiene que ver con tu búsqueda del realismo?
-Yo, antes de irme a Cartagena, me fui al realismo, y me fui a Cartagena también porque se trataba de aprender a hacer un ejercicio, aprender un oficio, yo quería eso. Y entonces me di cuenta de que la prosa tenía una época de gloria, un gran renacimiento entre la Revolución Francesa y Zola... La Revolución Francesa fue la revolución más sangrienta que ha tenido el mundo, fue la caída de todo el siglo XVIII, decapitaron al rey, vino una dictadura de Napoleón y luego emergió una burguesía aprovechadora, que no había arriesgado nada pero que quería testimoni; o sea, tanto la revolución, el imperio y esa burguesía querían testimonio; o sea, tanto la revolución, el imperio y esa burguesía querían testimonios nítidos, no querían que los representara una pintura rococó del siglo XVIII, no querían Rafael, Renacimiento, ni nada de eso, y tuvieron a David, Ingres, que fueron sus rafaeles huecos, sus rafaeles escenográficos. La prosa tuvo que ser también muy nítida, muy formal. Por eso los franceses instauraron ese siglo de oro en la prosa...

-Cuando un escritor realista logra una buena descripción, ¿es como acceder a un estado de iluminación?
-Es que el realismo no es sólo descripción, eso es sólo una parte de la técnica realista. También está la búsqueda del tema universal, que es muy difícil. Yo creo que, antes que la descripción, lo más importante del arte realista es la búsqueda del tema universal.

-¿Qué significa el tema universal?-
El tema universal es lo que me pasó a mí, pero que también te para ti. Es muy difícil encontrar cosas que nos hayan pasado a los dos. Todo el naturalismo y lo que viene después de Zola es ya más bien destapar los techos del vecindario, contar lo que le ha pasado a los demás. El tema universal no es algo que el lector busque por curiosidad; las cosas por curiosidad se leen una sola vez, los temas universales se recurre a ellos. Encontrar un tema universal no es fácil, a veces uno cree haberlo encontrado pero no es así... Una vez hallado ese tema, hay que abordarlo con distancia y ahí entra la técnica del lenguaje y del contenido... Como se trata de una literatura de distancia, el lenguaje no se puede comer al contenido...

-¿Este trabajo del realista implica un sacrificio del yo?-
Sí, por supuesto, todos los realistas se ocultan, se anulan, no tienen biografía. No es lo mismo una biografía de Velázquez que la biografía de Van Gogh. Yo creo que el problema del realista es que es muy agnóstico, muy escéptico y es muy amante de la vida al mismo tiempo. Entonces, tiene que encontrar una fe, algo sólido en que apoyarse, y por eso busca este huevo de oro, este arte por el arte; y no porque sea anacrónico ni esteticista, sino porque necesita creer en algo.

-¿El artista realista es un gran desesperado?
-Claro, el realista le tiene mucho miedo a la muerte, tiene periodos de muchas depresiones y angustias, y se afirma entonces en estas ecuaciones de perfección, síntesis, economía de medios, de búsqueda de la esencia de las cosas, para poder creer en algo y para poder rescatar del tiempo lo que sucede con las personas con el tiempo; el realista le tiene terror al desgaste, eso es lo que vemos en "Las Meninas", ese intento por sacar del tiempo a esa niñita...... Yo creo que se nace realista, y por eso es una escuela tan combatida, tiene tantos adeptos y enemigos...

-¿Tú naciste realista?
-Sí, yo nací realista...
-¿Cómo lo descubriste?
-Porque como pintor no era capaz de llegar a ese ajuste, me faltaba dibujo, tenía deficiencias en mi construcción; era un pintor de la mancha muy espontáneo, pero no era capaz de armar, de llegar a la forma... En cambio, cuando empecé a describir, me di cuenta de que era capaz de armar un párrafo que estaba bien, que tenía el sinónimo completo, que tenía la sintaxis perfecta y eso me dio una alegría, me pude apoyar en eso, me dije: tengo mi religión, una religión con muchos riesgos eso sí...
-¿Cuál es tu sueño?
-Mi sueño es tomar todo Merimée, Renand, Flaubert, todo eso y asimilarlo como yo lo asimilé durante tantos años, pasarlo por la experiencia de todos los inmigrantes, de toda América y devolverlo a la fuente. Lo que ocurre es que la fuente está pasando por un mal momento, porque ellos están leyendo a García Márquez. Francia ha decaído mucho después de los 50.

-Al leer tus libros infiltrados en el realismo riguroso y extremo surge una honda melancolía...
-Sí, porque el realismo tiene eso, el realismo se conmueve con las personas anónimas, los personajes del realismo son siempre personas anónimas, una espalda, los zapatos de una persona... Hay mucho humor, un humor triste y un amor también... A mí me gustan los perdedores, no me gusta el éxito, me gusta el dolor humano; entonces es bonito que una escuela estética, el realismo, los lleve a ser protagonistas. Por eso puede provocar rechazo, porque el realismo es lo menos exitista que hay, por ese amor por lo cotidiano, por los personajes perdidos; eso me interesa a mí, encuentro que hay mucha intensidad en lo marginal. Todo eso colinda con la belleza. La belleza se da siempre por el lado de lo áspero, yo sé por donde va. La belleza, no va por lo "lindo".

-En "La Lección de Pintura", Augusto, el joven talento, descubre en un negocio de pueblo que les a belleza, no la descubre en la academia. ¿Por qué para ti la belleza está en lo deteriorado?
-No sé, pero ahí está- es que no sabemos lo que es la belleza, la belleza es esquiva, yo sé dónde no está.
-¿Dónde no está?-
No está en los malls ni en el fútbol ni en las teleseries, ni en lo brillante, ni en el arribismo, ni en la gente que corta los árboles y no respeta la naturaleza.

-¿Por qué?
-Porque cuando una cosa es bella como la "Gioconda" o las pirámides, esa cosa ya está dentro de la enumeración de las cosas. Es lo mismo decir mar que decir pirámide, es lo mismo decir árbol que madonna de Rafael. Esos son artistas extraordinarios que han podido poner en la lista de lo que existe lo que no existía y que la naturaleza necesitaba.

-¿El arte acerca al artista al absoluto?
-Yo creo que el problema es que no sabemos donde estamos parados, porque estamos buscando una seguridad que no existe y en realidad estamos en un planeta que está suspendido en el espacio y sujetos por unas leyes que no controlamos. Entonces uno dice: "Yo no pedí nacer y estoy aquí mirando el cielo, no entiendo nada". Uno tiene derecho a ocupar su vida para entender algo, es un derecho de uno saber más o menos de qué se trata, aunque sea intuyéndolo.
..... Entonces cuando uno hace algo bien hecho, uno entra en el concierto de un cierto orden y de un programa que existe. Entonces uno se puede morir tranquilo... Creo que la existencia y la realidad están dentro de un programa muy violento y muy veloz, entonces no cabe la mediocridad; un médico mediocre o un poeta mediocre es grave, un abogado mediocre también lo es; pero ser un artista mediocre es lo más grave que hay. Es lo mismo que una monja pagana o una monja escéptica.

-De tus libros anteriores a la "Comedia del Arte", ¿"El Pasaje" fue el que más se acerca a ese orden del que tú hablas?
- En la decada de los 70 hice cuatro novelas, que es lo que los argentinos pusieron en una sola obra, convenciéndome de que se trataba de una sola cosa. Entonces fui pasando de "El Picadero" al "Tren de Cuerdas", a "La Lección de Pintura". Me fui poniendo metas: "El Picadero" era la epopeya personal, no me gusta eso de la familia, pero de todas maneras yo lo hice con distancia, lo hice como una composición. Después hice "El Tren de Cuerdas", que era oponer una cosa oscura a la naturaleza. Era una cosa de claroscuro, yo creo que esa novela tiene que ver con la luz, es una novela de la luz. Y después hice "La Lección de pintura", porque me interesa ese neoclasisismo, quería dibujar con el párrafo, yo quería hacer ingrávidas las figuras que están con el contorno perfecto y equidistantes con todo su centro. Yo quería trabajar el dibujo, es mi dibujo "La Lección de Pintura"; pero cuando hice "El Pasaje" abordé la ciudad, abordé una cosa muy peligrosa en la literatura, que es hacer vivir el tiempo y el espacio de la novela misma.

-¿Puedes explicarlo más?-
Es una de las cosas más graves que existen, porque te despersonaliza totalmente, te desrealiza... Por ejemplo: se arrienda la casa, después llega la mudanza, después sacan los muebles, en el otro capítulo ocupas la casa.
Aunque sean cuatro capítulos, esa secuencia es muy difícil de explicar con palabras... De todas maneras esa secuencia hace que el escritor se haya anulado de tal manera que está viviendo ese tiempo y ese espacio que va sucediendo ahí... eso es muy peligroso. Por eso con "El Pasaje" yo me enfermé, dejé de escribir diez años... No podía volver a la realidad, me había metido tanto en esa otra realidad, la intención mía había sido vivir eso, no podía volver, estaba despersonalizado.

-La vocación por el arte, ¿es un oficio o un destino?
-Yo creo que el arte y la belleza son un destino, te tocan, tú eres una pila de no sé quién, que te cargan... Y buscan personas bastante pobres, nosotros somos bastante vacíos, bastante pobres, tenemos un yo castigado... Si uno escarba bien la realidad, descubre una lucha tremenda entre el bien y el mal, es una lucha feroz. Hay una lucha subyacente entre polos muy grandes. Los artistas participan directamente de esa lucha.

-¿No le has temido al fracaso?
-No, porque es difícil que yo fracase, y lo digo con humildad, porque uno sabe cuando las cosas están bien hechas. El fracaso es la ansiedad, es apurarse, es cumplir demasiado con el editor.

-¿Cuándo aparecen en tu obra los arquetipos?
-Un día me cayó este regalo, el de la "Comedia del Arte", que es realmente un arquetipo, un libro que yo considero muy importante para la literatura chilena. Creo que soy el único escritor que ha abordado un arquetipo de esa manera, y ese mérito me queda grande a mí, no lo estoy diciendo como autor...

-¿Divides la literatura entre la que trabaja un tema y un arquetipo?
-La búsqueda de un tema universal es ya un mérito, lo que te sucede a ti me sucede a mí, pero un arquetipo, guardando las enormes distancias, claro está, es lo que les sucede a Fausto, al Quijote.

-¿Cómo abordaste el arquetipo en "La Comedia del Arte"?
-Lo que hice fue usar el sistema realista, hice un gran cataplasma, un cataplasma arquetípico, tenía bastantes páginas, me demoré mucho y cuando lo leí estaba todo muerto y lo quemé. Yo quemo todo lo que no me sirve. Seguí trabajando el arquetipo; entonces, hice otro cataplasma, ni siquiera mejor que el primero y también lo quemé... Pasó un año, y un día estaba escuchando "Don Giovanni", de Mozart, que es un arquetipo, y vi la soltura con que Mozart entraba y salía en la escena, la liviandad, la transparencia. Entonces dije: "estos personajes arquetípicos son muy transparentes, no tienen hueso, no tienen carne, no tienen nada, son símbolos puros, son ideas. ¿Qué hago yo que tengo este tema arquetípico, no encuentro cómo vencerlo y he fallado dos veces? Entonces yo mismo me respondí: "lo voy a contar no más, voy a contarlo tal cual es, no tengo más talento que contarlo, no soy Mozart, ni Goethe ni Cervantes". Entonces escribí esto con libertad, y funcionó.

-Para ello, ¿te sirvieron tus experiencias creadoras anteriores?
-Me sirvió también de cierta forma, me dio libertad, me la había ganado, pero no me sirvió más que para eso... Es lo mismo que pasa con el Tiziano, que en la última etapa de su vida pinta al revés... Los grandes artistas pintan mal también, porque ya conocen tanto pintar al derecho que pintan al revés y es muy maravilloso cuando un artista pinta al revés, acercándose mucho más a la belleza cuando lo hacía perfecto, ¿entiendes?

-Y ahora, ¿qué viene?
-El problema mío es seguir... yo ya no puedo volver atrás, no puedo volver a la novela realista, tengo que continuar con esto. El problema es cómo sigo, pero ya tengo una segunda parte de "La Comedia", pero tiene veinte páginas, porque todo en la vida se va achicando, uno también se achica. Un profesor que hacía una clase del Tiziano y que hace veinte años duraba dos horas, esa misma clase dura hoy un cuarto de hora. Porque el ser humano sabe dos o tres cosas bien y después aprende a decirla cada vez con menos tiempo. Yo creo que el arte lleva a la poesía, a la síntesis siempre, a la economía de medios.
-¿Te interesa la poesía?
-Yo no soy poeta y es lo que me gustaría haber sido, porque es lo más grande que hay. Es la musicalidad más grande que hay, es el contacto más grande con el misterio. Me encantan Eliot, Pound... Me fascina cómo Eliot, por ejemplo, mete el discurso cotidiano con los retazos de historia y cómo hace eso verídico. Yo me acerco con mi prosa lo que más puedo, y quiero llegar lo más cerca que sea posible de la poesía... me gustaría arrimarme a ella.

-Dices que la poesía conecta con el misterio. ¿Has tenido esa experiencia?
-Yo creo que hay momentos de cosas logradas en que tú puedes percibir la eternidad, sentirla. Si uno tuviera el equilibrio que tiene un gran artista para hacer uno cosa bien hecha, tiene que estar muy bien situado, tienen que coincidirle muchas cosas. No existen grandes artistas depresivos, no puede ser, uno tiene que estar bien, cuando uno está bien, se puede conectar, se pueden hacer cosas bien hechas, parece que uno percibe la eternidad, y es tan cansadora la eternidad que uno prefiere que no exista para uno. Yo creo que los grandes artistas viven la eternidad desde aquí...... Cuando fui a París la primera vez, estaba tomando desayuno y alguien me dijo: "Adolfo, por qué no va al Louvre". Yo vivía en la calle Richelieu que estaba frente al museo y entré a la gran galería, fui reconociendo al Tiziano, todas las cosas que yo había conocido las fui encontrando en su verdadera dimensión, pero cuando me enfrenté a "La Gioconda" me puse a llorar, me impresionó profundamente, fue más fuerte que mí, por que vi a mi abuelita, a mi hermana, no sé, a mi mamá, no sé lo que vi, pero me impresionó profundamente, lloré, me salió de adentro, no sé lo que me pasó... "La Gioconda" es una pila muy cargada, te devuelve mucha energía... está en un punto extraordinario.

-¿Cuál?
-El rictus está puesto en tal punto de sutileza, de tal ambigüedad, que la sonrisa pasa a pertenecer al que la mira, y si yo la miro sonriente, ella sonríe, y si la miro serio, ella se pone seria. Tan lejos de nosotros está con ese tratamiento del esfumato que no sabemos de qué se trata, porque todo ese trabajo sobre mordiente, todo ese trabajo de veladura sobre húmedo, no se sabe cómo está hecho, por eso Leonardo no ha tenido ningún discípulo... Entonces ese cuadro, con esos dos paisajes disímiles que son recuerdos de infancia y toda esa ambigüedad, ese color telúrico que es tan intenso, es la tierra mujer sin edad, que las tiene todas, esa mujer con esos dos sexos, todo eso nos habla de lo que le interesaba a Leonardo, que es el fin del mundo...

-¿Te estás refiriendo a una dimensión esotérica?
- Sí, yo creo que sí, yo creo que uno percibe cosas, como te decía antes, esta lucha entre el bien y el mal, entre fuerzas absolutas. Por eso hay que distraerse también, porque si no te toma esa fuerza y te puedes hacer daño, tú te puedes ir al abismo con el arte o te puedes ir para arriba. Uno tiene que defenderse también ante esas fuerzas...

-¿Por qué te apasiona tanto la luz?
-La luz es el cuerpo, es lo que es, la luz hace el cuerpo, hace volumen, hace materia; la sombra es al revés, es lo que no hay, es la ausencia de luz, la ausencia de color, el hueco. Yo creo que todo está muy armado en la naturaleza de eso, lo que sobresale, lo que se hunde, ahí hay un misterio entre esas dos consistencias, se va hacia adentro, hacia la nada y lo que trata de ser.

-Nietzche dijo: "Todas las cosas quieren hablar en símbolos". ¿Se puede aplicar esa reflexión a la luz y la sombra?
-Es una cosa rara, si uno se fija en "La Ronda Nocturna", por ejemplo, no sólo está basada en el claroscuro, en la sombra, en la luz y en la mediatinta, sino que además hay un personaje central que representa la sombra y otro que representa la luz. "La Ronda Nocturna" es un diálogo entre la luz y la sombra, y eso es maravilloso. Yo no sé si Rembrandt tuvo tanta conciencia de eso. Hay un personaje enteramente de negro que se va hacia adentro y un personaje enteramente de blanco que se viene hacia afuera. Cuando el tema de un cuadro como éste es el lenguaje del mismo, la mente no alcanza a poder saber de qué se trata, se nos escapa, es demasiado complicado, cuando la sombra y la luz se han vuelto personajes, se han personificado en un diálogo, nosotros podríamos pensar que hay algo. Eso es especulación, por eso no quiero nombrar el bien o el mal, no sé cómo es la cosa realmente. Ahora, anda a saber tú si entre el infierno y el cielo hay su recadero...

-Por último, ¿cómo se da la coexistencia entre el pintor y el escritor?
-Yo como pintor he sido bastante flojo, irregular, tengo facilidades, pero no me he dedicado mucho y no me he jugado como me he jugado en "La Comedia del Arte". No se puede ser dos cosas, es muy difícil porque son distintas actitudes...... La pintura me ayudó a escribir y la literatura me ayudó a pintar. Yo pinto mis carboncillos mis cosas, las guardo pero no las muestro, están bien hechas, son esenciales, me dan gusto a mí, pero con lo que yo salgo afuera a pelear es con estos libros. Con la pintura me iría bastante mejor, estaría contento y saldría a hacer paisaje. Es bastante feo salir con el paisaje a la edad mía, sentarme en el rompeolas, capaz que lo haría, después volvería a tomar té y estaría con la sensación del deber cumplido... pero no, es feo todo eso. Yo creo que le he aportado mucho más a la pintura joven con "La Comedia del Arte".

Extracto editado de la entrevista emitida por el canal ARTV.

La jardinera

2008-07-29T01:33:00.011-04:00

Para olvidarme de ti
voy a cultivar la tierra,
en ella espero encontrar
remedio para mis penas.

Aquí plantaré el rosal
de las espinas más gruesas,
tendré lista la corona
para cuando en mi te mueras.

Para mi tristeza violeta azul,
clavelina roja pa mi pasión
y para saber si me correspondes
deshojo un blanco manzanillón.
Si me quierés mucho, poquito, nada,
tranquilo queda mi corazón.

Creciendo irán poco a poco
los alegres pensamientos
cuando ya estén florecidos
irá lejos tu recuerdo.

De la flor de la amapola
seré su mejor amiga,
la pondré bajo la almohada
para dormirme tranquila.

Cogollo de toronjil,
cuando me aumentan las penas
las flores de mi jardín
han de ser mis enfermeras.

Y si acaso yo me ausento
antes que tú te arrepientas
heredarás estas flores,
ven a curarte con ellas.

(Violeta Parra)

*Agradecimientos especiales a Jorge por su linda flor

Miss Kitty Butler

2008-07-20T11:20:00.029-04:00

Si tú me miras, yo me vuelvo hermosa
como la hierba a que bajó el rocío,
y desconocerán mi faz gloriosa
las altas cañas cuando baje el río.

Tengo vergüenza de mi boca triste,
de mi voz rota y mis rodillas rudas.
Ahora que me miraste y que viniste,
me encontré pobre y me palpé desnuda.

Ninguna piedra en el camino hallaste
más desnuda de luz en la alborada
que esta mujer a la que levantaste,
porque oíste su canto, la mirada.

Yo callaré para que no conozcan,
mi dicha los que pasan por el llano,
en el fulgor que da a mí frente tosca
y en la tremolación que hay en mi mano.

Es noche y baja a la hierba el rocío;
mírame largo y habla con ternura,
¡que mañana al descender al río
la que besaste llevará hermosura!

G.Mistral

Flores (ñoñas) para Cize

2008-07-13T12:09:00.015-04:00

I can sense it

something important

is about to happen

it's coming up

it takes courage to enjoy it

the hardcore & the gentle

We just met

and I know I’m a bit too intimate

but something huge is coming up

and we're both included

I don't know my future after this weekend

- and I don't want to!

It takes courage to enjoy it

the hardcore & the gentle

Ceci n´est pas une pipe?

2008-06-22T23:02:00.075-04:00

(F.Arman - Reveils )

Esto de ke el tiempo avance y estar al parecer siempre en el mismo lugar.

¿Como se guardan las imágenes en la cabeza?

Cuando intento recuperar recuerdos, tienen la misma

densidad caótica y neblinosa de los sueños.
En efecto recuerdo para intervenir mis recuerdos

una y otra vez
Como en una deseada maquina del tiempo
Luego me recuerdo del recuerdo, un sin número

de veces intervenido

Reviso una y otra vez diálogos,

para introducir lo que no dije, .................. (Kienholz- Sollie)
Lo que no pensé en ese momento, lo que debiese haber dicho de otra forma. O lo que habría sido bueno decir.

La reedición de las acciones es lo mas peluo,
Intento no disparar las situaciones en otra dirección,
Muy conciente de la idea de maquina del tiempo
Sin pisar la mariposa.
Pienso en lo k es mas probable k hiciese o dijese mi interlocutor.
Cuando cambio lugares asumo que ya no es el recuerdo,
Mezclo diálogos con lugares,

y los reintervengo todo a mi total antojo.
Es la realidad paralela de viaje en el futuro 2.
Por supuesto esta es una de mis formas de perder el norte de todo.

(Beck - deadweight - de Michel Gondry)

Es una sensación semejante a dar ... (Kienholz - The baneary 1965)

continuidad a las imágenes de la ebriedad,
No estas seguro del orden de los acontecimientos,
Ni sabes en que momentos todos perdieron la cabeza,
O cuando tú solo perdiste la cabeza, por tanto a veces la dignidad.
A veces como llegaste a esos lugares o a esas situaciones,
E intentas articularlos con tu lógica de sobrio,
Ninguna posibilidad de acercarte un poco,
Debes recurrir a amigos que hayan estado un poco más compuestos.

(Kritian Burford - he learnt that if the hand of a sleeping

boy were to be submerged in tepid wat)
Si también lo has vivido
Las maratónicas 36 horas durmiendo*,
Nada más alucinado
Detenidas solo por el hambre,
Pero eso después queda mezclado con el todo.
Los sueños con su fantasía (si así lo podemos llamar),
Perversión, nebulosidad, se mezclan,
no solo entre ellos, sino también con la realidad.
La primera vez que lo experimente
fue en primero medio, en el colegio
Me tome unas pastillas pa dormir,
No con un fin suicida, sino para saber lo que se sentía, Finalmente eran drogas, lo supe por las estrellitas de la caja.

(Arman -Autodestruccion, 1996)
Primero tome una, paso como 1 hora y como no veía efectos
seguí hasta llegar a la sexta.
El efecto fue como al día siguiente creo,
Me kede dormida en el puesto del profesor de matemáticas (Andaur)
Sobre el libro de clases abierto, lo babee.
Luego según me contaron, Lina (profesora de ingles)
me envió a la casa, por k estaba verde.
Desde mi casa dijeron k no podían ir a buscarme k me fuese sola.
No se como mierda llegué, mis ultimas imágenes fueron el libro de clases.
Dormí como 2 días seguidos.
Realmente perturbador lo que ke sentí al despertar,
Miles de imágenes, sueños y recuerdos mezclados
k no sabia a cual de estas categorías pertenecían,
Hasta el día de hoy no lo se.
Cero conciencia del tiempo transcurrido, ni como transcurrió.

............................................ (Kienholz -State hospital int, 1966)
Por supuesto en su momento nadie supo lo k había sucedido,
no quería k lo confundieran con un intento de anulación.

Las siguientes veces k a sucedido no a sido producto de esto,
No me volvería a arriesgar ni siquiera a morir,
sino a quedar totalmente lela para siempre.
Las veces siguientes ha sido produ cto de k por diversas cirscuntancias
No he dormido por 3 días (esa es otro tipo de maratón)

(Kienholz -State hospital int, 1966) Luego vienen las siguientes hrs. de recuperación.
Y las imágenes, recuerdos y sueños mezclados,
sin poder reconocer si efectivamente estuve en otra realidad.

No se si realmente las personas que son concientes de que sueñan,
cuando sueñan,
están aventajadas de quienes no lo sabemos.

.............. (Annie Leibovitz - Alicia en el país de las maravillas-)

No se como cresta logramos hacer de los sueños una historia para contar.
De cualquier modo resulta ser un relato bastante mediocre.
Generalmente prefiero no intentar articular en palabras mis mejores sueños,
ni mis mejores recuerdos.
(jajjajjajjajjajjajjajjajajja de solo pensarlos sonrió y enrojezco,
nunca supe transmitirlos, quedaba como en parálisis mental),
las veces k lo he intentado resulta ser un relato muy mediocre,
creo, e aprendido un poco a intentar no pala-brisarlos.
Al intentar ser objetiva para pala-brisarlos,
transformarlos en texto legible o historizarlos
debería intentar sacar mis miles de intervenciones ¿imaginarias?
Y los destruyo dejando solo un pedazo de feca.
Creo que las imágenes nos pueden ayudar un poco mas acercarnos,
pero solo a acercarnos.
Hasta ahora mi forma para suplir mis intervenciones de todo tipo en recuerdos o sueños, utilizo la figura del -como si- entendido como comparaciones,
esta es mi forma de intervenir visualmente llevada a las palabras.

(Carol Finer)

(acabo de analizarlo, es mi reciente

descubrimiento sobre mi misma).
En este mismo instante se me vienen ejemplos visuales para hablar de este texto, nada mejor idea k el collage,
aunque tengo mis reticencias no dejaría de reconocerle su maestría
a Picasso o Braque –¿?-

............................... (Arman. -Grands dechets bourgeois.1959)

Podría pegar mis cosas en una tela gigante y seria mi autorretrato collage,
si las metiese en una bolsa transparente seria mi autorretrato escultórico.
Imagina tus cosas pegadas armando una estructura.

Cada frase hilada escrita debiese quedar automáticamente con derechos de autor.
– jajajjajjaj- ¡¡¡¡cuanta mierda apilada!!!!
- el ego me traiciona el muy fakin –
A él me lo imagino como la contra-forma de una persona bidimensional,
el vaciado grafico de una imagen de la pose

mas pose de una persona,
pose como la postura k mas hable de ella,
no de forma publicitaria, (aunke en ocasiones hagan muy bien su trabajo)
sino, me refiero a que cuando sus conocidos la vean digan - a esa es la… o el…-
LRecuerdo cuando dibuje al Adolfo, el jamás leerá estoos decían
-Aaaa ese es el Adolfo-,
Pero de alguna forma no había como reconocerlo, pero era el Adolfo.
-Jajjajajjajjaja- dibuje el ego del Adolfo según mis teorías
y recién lo descubro, buscando ejemplos.
Dibujo del contorno de una forma,

como una sombra que lo separa del resto,
pero sin las cualidades de la sombra que se

torna informe y con variantes de luz,
un dibujo grafico como los stencil.
Es mucho más sencillo de cómo lo describo,
tanta paja solo por que no se como palabrisarlo,
hay miles de ejemplos girando en nuestros imaginarios.

(Andisheh Avini- untitled(Sabine) 2007)

Entonces el trabajo de Gracia Barrios,
seria como pintura de un grupos de egos doloridos.
Seeeeeeeeeee eso es lo k siempre pensé sin saberlo al verla.

(Gracia Barrios - America no invoco tu nombre en vano-1970)